Curso teórico práctico de dibujo,pintura y escultura.


Curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Primera clase de dibujo.

Introducción:

Bienvenidos al templo de las artes; con un poco de paciencia y con una buena disposición de ánimo, vamos a ingresar en el maravilloso mundo del dibujo, que es la base, para llegar a los grandes aciertos de las artes plásticas.

Si recordamos lo que decía el famoso pintor del siglo de los grandes artistas, Ingres: “Se pinta como se dibuja” o como se expresaba el gran pintor y escultor sopetranero Don Alfonso Góez: “El que dibuja, pinta; y el que pinta esculpe; luego el que dibuja, esculpe”; con unas horas de clase bien aprovechadas, en cuestión de un año de trabajo, estaremos haciendo bellezas con las habilidades y destrezas de nuestros cerebros, de acuerdo con las diferencias individuales de cada uno de Ustedes.

Analicemos muy bien estos conceptos: Explicación lógica.

Las diferencias individuales, nos las enseñaba nuestro gran maestro del seminario, el Padre José Tamayo, así: Cuando diez personas hacen uno sancocho, aunque todos lleven los mismos ingredientes y sean cocinados en ollas iguales, quedarán distintos de color, presentación y sabor; y eso lo hacen las diferencias individuales.

A nivel de las artes, cuando vayamos a dibujar cualquier objeto, es muy normal que cada uno de los dibujos que hagamos, quedará con algunas diferencias, porque la mano y cerebro de cada uno de los dibujantes, lo concibió en esa forma. Mal haría un profesor  de artes en calificar de malos trabajos aquellos que no guardan las mismas líneas y proporciones del modelo que se está exhibiendo.

Pero miremos este otro concepto:

Si soy capaz de pintar un cuadrado, (sé dibujar); si con ese cuadrado hago un cubo y le coloco el claro oscuro, (sé pintar); si lo amaso con barro, (se esculpir) y si al cubo de barro soy capaz de aplicarle colores, (soy un buen decorador).

Estos conceptos tan sencillos, son los que vamos a desarrollar a lo largo de nuestro curso teórico-práctico de: Dibujo, pintura y escultura.

Entremos en materia.

Desarrollo:

¿Qué necesito para ser un buen dibujante?

La respuesta es muy sencilla: Un buen lápiz, una goma de borrar y un pedazo de papel.


¿Cómo es un buen lápiz?


Los lápices se consiguen de varias nominaciones: La gama B y la gama H.
En la gama B, mientras más alto el número, más oscura la sombra que produce; y en la gama H, mientras más alto el número, es más clara la sombra que regala.

Cuando los lápices son de la gama B, son blandos y tiñen en forma oscura y los de la gama H, son duros y tiñen muy claro, estos últimos solo se emplean para dibujo muy técnico.

Pero hay una gama de lápices que son los más comunes y los que todos manejamos: El lápiz número 1 que equivale a un 2B; el número 2, que equivale al HB o también puede ser el F, una buena mezcla de las dos gamas; entre los lápices duros están el 3 que equivale al H y el 4 que es el 3H.

La goma para borrar debe ser de buena marca, que no sea como las que traen los lápices comunes, porque en vez de borrar ensucian el papel.


En los papeles para dibujar están: El papel satinado, que sirve para dibujar con plumillas; el papel de grano fino, que se presta para hacer grisados y degradados de muy buena calidad; el papel de grano medio, que sirve para pinta pastel, cretas y sanguinas; el papel verjurado, es el más común en el mercado de las artes y sirve para carboncillo, sanguina y cretas; el papel canson, que se consigue en varios colores, que es un papel multiuso; el papel especial para pintar con acuarela y hay otras variedades de papel para comprar según los gustos.

El formato de los pedazos de papel que se encuentra en las casas de arte, es: cuarto de hoja 35 por 50; media hoja 50 por 70; y hoja entera 70 por 100.

Como nos estamos metiendo en el mundo de las artes plásticas, es bueno conocer algunos elementos propios de ellas y saber cómo son las presentaciones que se consiguen en el mercado: Sanguina, cretas, carboncillos, pinturas acrílicas o a base de agua, pinturas al óleo, pinturas para acuarelas, pinturas al Gouache o guachas y tintillas.


Ahora veamos cómo se le saca la punta al lápiz de carboncillo:

No es una buena práctica, sacar la punta de los carboncillos con el sacapuntas o con el taja lápices, porque se pierde mucho material del grafito de la punta en los roces con las máquinas; por esa razón lo mejor es tomar el lápiz y con un bisturí o un cuchillo bien afilados, se desbasta la punta y se prepara para que quede, puntuda en un lado y plana en el otro y así nuestro lápiz, prestará varios servicios como lo muestra este dibujo.



Ya vimos la teoría para hoy, ahora pasemos a la parte práctica:

Vamos en primer lugar a tratar de sacarle la punta a nuestros lápices, siguiendo las recomendaciones que hice, para que podamos trabajar a toda máquina.

Luego intentemos imitar el dibujo que les presento y tratemos de darle la mayor belleza, empleando las distintas caras de nuestro lápiz para colorear todos sus espacios.

Empecemos haciendo unos cuadrados y entre ellos, hacemos varios grisados. 


Hagamos un pequeño adiestramiento para aprender a manejarlas las dos puntas del lápiz.


Sopetrán, Agosto 1 del 2014.


Darío Sevillano Álvarez.

Segunda clase del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Educación de la mano, grisados y degradados.

En primer lugar, miremos las notas que cada alumno tomó en la primera clase, no para sancionarlos, ni para reprocharles, lo que no hicieron, sino para saber, como es el esmero por el aprendizaje de nuestras enseñanzas y con esa base saber cuáles van a progresar más en el curso.


Ahora, hagamos un repaso de los conocimientos que aprendimos en la primera jornada, por dos razones, nuevos alumnos y parece que uno de Uds. no entendió algunos temas: 

Como se saca la punta del lápiz de carboncillo. 

Clases de lápices, clases de borradores, clases de papeles, distintas clases de elementos para la pintura, terminología  del dibujo, como: Estecas espátulas, pinzas para pulir esculturas, herramientas para pulir y tallar y todas aquellas pequeñas enseñanzas que fueron surgiendo a lo largo de las dos horas y media de trabajo. 

Tres elementos y tres herramientas. Preguntar si entendieron.


Es posible que Ud. Crea que no tiene idea de dibujar, pero nosotros sabemos que está en un grave error, porque cuando Ud. Aprendió a firmarse, desde el día que le enseñaron a escribir en el grado primero de la escuela, estaba practicando el dibujo y siempre lo practicó, cuando hacía las ilustraciones que el maestro colocaba en el tablero, como complemento de lo que estaba enseñando.


Ejercicios de adiestramiento de la mano.

Hoy vamos a hacer unos ejercicios de cada uno de estos ejemplos, pero recuerden que cada ejercicio hay que repetirlo las veces que sean necesarias, para que el aprendizaje sea excelente.

Para que Ud. Se vuelva un experto en el dibujo, le recomendamos que en su casa practique, con un lápiz común, los siguientes ejercicios, para que no tengamos que hacerlo en las clases, con el fin de ganar tiempo para otras actividades que son muy importantes, pero si creen que en sus casas no les queda tiempo, lo haremos en las clases, aún sabiendo que nos vamos a demorar más en la etapa de dibujo.

Los mejores ejercicios para adiestrar la mano son: Las letras del alfabeto, trazos rectos, circulares, paralelos, diagonales, horizontales, curvas, bucles y cruzados; ondulados y en espiral, que luego tendrá la oportunidad de aplicar en las pequeñas obras de arte, que realizará en las clases.


Grisados y degradados.

Hay un complemento importante que vamos a aprender, para que Uds. Sean dibujantes de calidad, este complemento lo conocemos en el mundo de las artes, como: 

Grisados y degradados, que son los elementos que dan vida a los dibujos que Ud. Realice.


Es bueno que hablemos de cuales formas de dibujos, vamos a emplear en la primera etapa del curso, para que Uds. Se vayan metiendo en el mundo de las artes.

En los primeros seis meses, vamos a trabajar con: 

Naturalezas muertas, naturalezas vivas, bodegones, estudios de formas, de posiciones y paisajes. 

Veamos que es cada una de estas modalidades:


Naturaleza muerta.


Bodegón.


Estudio de formas.


Paisajes.


Estudio de posiciones del cojín.


Y al final llegaremos al grado máximo, cuando podremos dibujar sin miedo la figura humana, que es una de las cosas más difíciles para los dibujantes y pintores.

Valdría la pena citar las palabras de Leonardo D’ Vinci cuando dijo:”Aquel que no haya manejado en sus pinturas el cuerpo humano, no se puede llamar pintor”.


La figura humana, sin erotismos y con mucho cariño.

Pasemos a la práctica para el día de hoy:

Encuadremos en el espacio que tenemos esta cereza, recordemos que de la una buena encuadrada depende un excelente boceto.


Después de encuadrar, empecemos a diseñar nuestra obra.


Nuestro diseño va muy bien.


Cuando está así, será un buen dibujo.

Sopetrán, Agosto 8 del 2014.

Darío Sevillano Álvarez.

Tercera clase del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Clases de degradados; El claroscuro.

Insisto en preguntar por los cuadernos en que toman notas, porque ese es el principal componente del curso, toda vez que de ellas depende el grado de enseñanza, que Uds. Van a grabar en sus discos duros. Ahora revisemos las tareas. (Dos).

Recuerden lo que dije en la clase pasada: “Un agricultor, no puede llegar al campo de trabajo, sin un machete y un azadón”.

Es importante que se pongan al día en sus pagos, recuerden que estas son las clases más baratas que están recibiendo, a lo largo de toda su vida.

Entremos en la teoría para el día de hoy, los degradados se pueden hacer de varias clases a saber:

Degradados con trazos circulares. Estos se consiguen cuando Ud. Resbala el lápiz con mucha suavidad sobre el papel haciendo movimientos circulares, como lo muestra el primer dibujo.

Observe como en las zonas en donde se deben mostrar las partes claras, el lápiz pasa en forma muy sutil.

Pero también se puede hacer el degradado en forma horizontal, lo importante es decidir en donde están las sombras y en donde están las luces, como en el dibujo que sigue:

Pero si la persona decide hacer el degradado en forma vertical, también es posible como lo muestra la próxima figura:


El siguiente recorte le enseña mejor lo de los degradados.

Por esta razón, léalos, analícelos y practíquelos las veces que sean necesarias, porque esta teoría es la base fundamental del dibujo.


Si Ud. Domina estas técnicas, estará siendo un buen dibujante.

Voy enseñar un truco para darle luz a cualquier dibujo o pintura que vayamos a hacer: Colocar los objetos en las posiciones correspondientes y del lado de la luz encender una bombilla que resalte muy bien lo que queremos hacer.

Ahora hablemos del claro-oscuro: Se conoce con este nombre al hecho de que en cualquier dibujo o pintura, los claros y los oscuros que se dibujen o pinten, son los que le dan vida a sus trabajos.

Manet el gran pintor de finales del siglo XIX decía:

 “El principal personaje de un cuadro, es la luz”.

Para aprender a hacer un buen claro-oscuro, metámonos de lleno en un buen bodegón de cerezas; este sería el boceto listo y bien encuadrado:


Para darle vida a estas cerezas, es necesario aplicar un claro-oscuro y los técnicos de este arte lo llaman:

Cuadro tonal. Este es el cuadro tonal de esta obra:

En la parte de abajo están las tonalidades marcadas de uno a diez (Uno es la más clara y diez es la más oscura; y en la parte de arriba del bodegón les mostramos, cual tono corresponde a cada punto de él.

El primer repartimiento tonal que debe aparecer, es parecido a este, con carboncillos muy suavemente aplicados; fíjense como ninguna de las partes del dibujo, está totalmente oscurecida y para lograrlo, tuvimos que aplicar el lápiz suavemente y con la parte plana de su punta, con el fin de no tener que borrar mucho. “Recuerden que el mucho borra, poca dibuja”.

Si observan bien, el color está totalmente desteñido, para poder proceder a dar las sombras y las luces, que harán la belleza de la obra. En los degradados, están aplicando las normas que acabamos de aprender: Horizontales, verticales, circulares y oblicuos, con el fin de darle a cada parte del dibujo, las características que necesita.

La obra terminada con los debidos grisados y degradados, podría quedar así, pero es bueno hacerle un marco hecho a mano, no con el computador, porque eso les sirve de entrenamiento para salir adelante, con la meta de: “Ser unos buenos dibujantes”.

Con obras de esta calidad, podemos hacer más tarde una exposición de los trabajos de cada modalidad del curso.

Hay una herramienta que los grades del dibujo emplean con mucha frecuencia, porque es la que se encarga de repartir muy bien el color del carboncillo, las sanguinas y las cretas, en los grisados de sus obras, a esta herramienta se le conoce con el nombre de: Difumino.

Es importante saber: Que si el papel que vamos a emplear es granulado o con figurillas en alto relieve como la: Opalina, no se debe emplear el difumino, porque destruye el alto relieve y acaba con la textura del papel.

Clase número cuatro del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

¿Cómo se hace la operación de aplicar laminillas doradas?

Con el fin de cambiar la rutina del dibujo con carboncillos, vamos a enrutar nuestra clase por un tema muy interesante que se llama: Dorado y plateado.

Pero antes de entrar en materia, califiquemos la tarea del bodegoncito de cerezas, que habíamos empezado en la clase pasada.


El oropel es un material barato que se encuentra en los comercios de arte, en forma de láminas de 25 cm. por 25 cm.

Pero nos venden cinco láminas; diez láminas; veinte láminas; o un cuadernillo de 100 hojas.

Cuando uno es dorador profesional, las puede comprar por cuadernillos, porque resultan más baratas.

Pero si solo las utilizamos de vez en cuando, se pueden comprar en pequeñas cantidades, para evitar que se oxiden, porque las láminas del oropel, son fabricadas con cobre estirado.


Para aplicar el oropel necesitamos las siguientes herramientas:

Un juego de tijeras, que estén bien cortantes.

Láminas de oropel.

Pegante para hojillas de oropel. A esta pega se le llama en los comercios: Sisa.

Un pincel plano de fibra común.

Cuando no somos muy expertos para manipular las laminillas, necesitamos un pincel de pelo o de fibra fina, para manejarlas a base de electrostática o una polonesa, pelonesa, pelenesa o peine.

Una buena dosis de paciencia.


La técnica para aplicar las laminillas sean de oropel o de plata, es la siguiente:

Seleccione el objeto que va a dorar o a platear; si es de cerámica o de madera, lije muy bien con una lija de agua, es decir: papel de acero muy fino; luego aplique unas manos de laca piroxilina, teniendo en cuenta dejar secar, muy bien cada mano; seguidamente aplique una o dos manos del pegante sisa, procurando no dejar grumos; deje que el pegante se seque por espacio de 20 minutos y por último, aplique los trozos de laminillas que ha cortado cuidadosamente, valiéndose de sus dedos o de un pincel plano de fibra fina, por medio de la electrostática; si lo desea puede colorear las láminas con una pátina del color que quiera elegir, para envejecerlo.

Experiencias importantes:

Una persona me decía: ¿Por qué las laminillas que aplico, a los dos o tres meses se ponen negras?

La respuesta es muy sencilla: Porque no protegió el objeto que iba a dorar con unas manos de laca piroxilina y las laminillas se mancharon, es decir se oxidaron.

Otra persona me preguntó: ¿Por qué en unas laminillas que le aplique a unas piezas de madera, se volvieron llenas de manchas de colores tornasolados?

La respuesta fue:

Cuando se aplica laminillas sobre madera o sobre cerámica, hay que asegurarse de que el material esté totalmente seco, porque la traspiración de la humedad, genera vapor de agua y ese vapor oxida el cobre.


Estos objetos fueron dorados con laminillas de oropel y luego fueron envejecidos con colores distintos, para darles el acabado con se ven, por el sistema de pátina.

Patinar significa aplicar unas pinceladas de color debidamente estirado, y luego se levantan algunas partes con papel tizú.

Para ser un buen dorador, hay que ejercitarse todos los días y al principio, tener la paciencia de ver como los trabajos resultan de mala calidad, pero a medida que nuestros ejercicios aumentan, las obras se van viendo de mejor calidad.

Mientras nuestros objetos secan para aplicar las laminillas, veamos estos conceptos sobre la luz, que recuerden que es el personaje más importante de cualquier obra de arte.

La terminología que nosotros empleamos es la misma que utilizan las universidades en sus clases de diseño gráfico y de artes, por estas razones, Ud. Las debe memorizar, para que pueda estar a la altura de cualquier universitario.



Con estos conocimientos sobre la luz, Ud. Se está capacitando para sacar adelante las obras de arte que le provoquen.

Clase número cinco del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Ejercicio sobre gradación de lápices en paisajística.

En primer lugar califiquemos las tareas y recordemos que ya pasó el primer mes de trabajo y algunos no han pagado las primeras cuatro clases.

Con este ejercicio, le estamos ofreciendo una oportunidad, para disfrutar de la naturaleza en vivo y para afianzar sus conocimientos sobre la manera de utilizar los distintos grados, de coloración de los lápices de grafito.

Este es un reto para repasar las posibilidades que nos permiten los distintos grados de lápices y de medir la intensidad de la dirección de los trazos.

Este sería el encuadrado del paisaje que vamos a dibujar:

Ahora veamos cómo nos puede quedar este hermoso paisaje.


Fíjense muy bien, que los árboles no tienen hojas; que el pasto tiene un tratamiento especial; que las chamizas del lado lejano, se reflejan en las aguas al igual que la infraestructura de edificios; y el artista para darle importancia a los árboles que votaron sus hojas, empleó el papel en forma vertical, para que quedaran en toda su dimensión.

Estos detalles son los que le dan la belleza a la obra.

Ahora miremos cómo me quedó la mía cuando la enmarqué y la coloqué en un papel granulado.

Observen que cómo el paisaje era de características muy oscuras le lucía mucho un marco de características claras.

Ahora comentemos el documento que les facilitamos sobre la luz, para ver si lo leyeron.

Clase número seis del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Dibujos con barra de carboncillo.

Vamos a dar media hora para que terminen sus paisajes y luego nos vamos a introducir en una maravillosa experiencia: Los trabajos con barra de carboncillo.

El carboncillo se encuentra en los comercios, en dos formas: como lápiz y como barras. Las dos formas son buenas para dibujar, pero con las barras se puede trabajar, de una forma más cómoda y con los lápices, se tienen algunas limitaciones.

Las barras de carboncillo, se pueden partir en pequeños pedazos de cinco centímetros, para poderla manejar fácilmente, pero noten en las ilustraciones como las barras fueron preparadas, para que presten por lo menos tres servicios: Delgado, ancho y de toda la extensión, para tener que manejar solo un pedazo; en caso contrario debe tener varios pedazos y cada uno debe estar preparado para un estilo de trazos.



Los tres servicios de las barras son:




Los ejercicios que les sugerimos para adiestrar sus manos son unos rayones especiales, para aprender a coger las barras en una forma adecuada, sin estos ejercicios ustedes estarán a medias para hacer sus dibujos; las personas que más practican su vuelven expertas en el manejo de las barras.


Para hoy vamos a realizar un dibujo facilísimo, es una mujer descansando sobre su lecho. Esta obra fue pintada por uno de los grandes dibujantes de la tierra: T. A. Steinlein.


Observen muy bien como de las partes del rostro solo se ven algunas: una ceja, parte del ojo derecho, el ojo izquierdo, la nariz y los labios, todo lo demás son pequeños trazos hechos con la barra de carboncillo.

Clase número siete del curso teórico-práctico de: Dibujo, pintura  y escultura.

El canon de las proporciones del rostro.

La altura de la cabeza, el ancho y la situación de los elementos, como los ojos, las cejas, la nariz, las orejas y los labios, tienen unas reglas que no fallan en dibujo, pintura y escultura, que fueron diseñadas por los grandes pintores de otras épocas y si sabemos aplicar esas proporciones en nuestros dibujos, pinturas y esculturas, estaremos haciendo obras perfectas.

Miremos por partes esas reglas o cánones:

El rostro humano, tiene tres medidas iguales a saber: Desde la punta de la barbilla hasta la base de la nariz; desde la base de la nariz hasta donde ella termina, (esta línea queda debajo de los lugares en donde empiezan las partes internas de las cejas); y desde la línea de las cejas hasta donde empieza a nacer el pelo; el pequeño pedazo de arriba es en donde se acomoda el pelo.

El ancho de la cabeza es de dos medidas y media.

Veamos un ejemplo: Es bueno advertir que partimos el papel en cinco pedazos iguales de media medida, para buscar el centro, que es en donde está la nariz, el centro de los labios y mitad de la cara.

En el ejemplo, nos muestra muy claro, como se aplican estas reglas.

Subida en curso: 325136 de 325136 bytes subidos.

El canon del perfil, debe tener un ancho de tres medidas y media incluyendo la punta de la nariz y el pelo. Ej.

Este podría ser un ejemplo real de los cánones del rostro:

En los rostros de los niños, los cánones cambian un poco, pero de eso hablaremos en otra clase.

Ahora dediquémonos a hacer el primer ejercicio con barra de carboncillo, pero podemos ayudarnos de los lápices de carbón y del lápiz blanco con que difuminamos.

Clase número ocho del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Los cánones del cuerpo humano.

Los grandes escultores de la tierra, que jugaban con la figura humana, nos dejaron unas enseñanzas en sus obras, sobre las medidas que debe tener una buena escultura, para considerarla digna en este precioso arte.

Los tres más fuertes de esta disciplina, fueron: Policleto, Lisipo y Leocares y cada uno de ellos dio enseñanzas distintas sobre la forma de esculpir el cuerpo humano, a saber:


       Policleto.       Lisipo.        Leocares.

Al parecer, cada uno trabajo con una etnia especial, que tenía sus propios rasgos y por esa razón resultaron diferentes, las medidas de los tres.

Policleto sostenía que el cuerpo humano era igual a siete medidas y media de la cabeza.

Lisipo decía que nuestro cuerpo era igual a ocho medidas de la cabeza.

Y Leocares afirmaba que el cuerpo humano es igual a ocho medidas y media de la cabeza.

Lo importante es que los tres coinciden en que la mitad de la estatura del cuerpo humano, está situada en el lugar en donde se ubican los genitales.

Nosotros los latinos, empleamos la fórmula de Lisipo que es tal vez la más fácil de manejar.

Observemos estas dos esculturas en las cuales aplicamos las fórmulas de Policleto y de Leocares; la primera se llama: El Diriforo, también llamado: El canon de Policleto y la segunda es el Apolo de Belvedere de Leocares.

Ahora miremos el canon de ocho cabezas como se aplica al cuerpo del hombre:

Luego miremos como se aplican las ocho cabezas, al cuerpo de la mujer:


De estas ilustraciones podemos concluir que es un poco más elaborado el cuerpo de la mujer.

Los que hemos manejado estas disciplinas de tiempo atrás, como Doña Ana María y yo, venimos aprendiendo algunas cosas que ojalá Ustedes memoricen con mucho empeño como estas:

Los hombros del hombre, se sitúan a un tercio de la horizontal del primer módulo, por debajo de ella.

Las tetillas del hombre, coinciden con la horizontal del segundo módulo.

La separación de ambas tetillas es igual a la medida  de un módulo.

El ombligo del hombre, queda un poco por debajo de la línea del tercer módulo.

Los codos y los puntos de máxima inflexión de la cintura, se colocan en la horizontal del tercer módulo.

El pubis, se halla en el punto medio del cuerpo o sea en la horizontal de cuarto módulo.

Las rodillas, quedan algo por encima del límite inferior del sexto módulo.

El pliegue inferior de los glúteos (Nalgas), se sitúan aproximadamente a un tercio por debajo de la horizontal que corresponde al nivel del pubis.

Cuando se mira de perfil el cuerpo del hombre, la pantorrilla y la curva de las nalgas deben estar en contacto con la vertical que pasa por el omoplato.

Para el cuerpo femenino, las diferencias son muy pocas y se pueden resumir en estos detalles:

Por regla general, aunque tiene sus excepciones, el cuerpo de la mujer es un poco más bajo que el de los hombre (Unos diez centímetros).

Los hombros de las mujeres, son algo más estrechos.

Los pezones se sitúan algo por debajo de la horizontal del segundo módulo.

El ombligo de la damas, es a un nivel más bajo que el de los hombres.

La cintura de las mujeres, es más estrecha.

Las caderas o nalgas, son más amplias.

En las mujeres, cuando el cuerpo es visto de perfil, las nalgas sobrepasan la línea vertical que pasa por los omoplatos y la pantorrilla.

Si ustedes están interesados en aprender a esculpir con toda la seriedad del caso, deben saber estas normas, como se saben los niños de las escuelas, las tablas de la multiplicación.

Clase número nueve del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Esculpir un tronco humano de hombre o de mujer.

Cada una de Ustedes, va a elegir cual tronco desea esculpir, para salvar responsabilidades en el cuerpo del hombre, solo dejamos un esquema de lo que es el pene, pero cada cual decide como lo va a hacer.

Como el tronco solo necesita cuatro módulos, quisimos traer los esquemas completos de ellos, para que les sirvan de guía a lo largo de proceso de elaboración de la estatuilla, que posiblemente les podrá servir de pisa papeles en sus escritorios, como muestra de los trabajos que realizan en sus clases.

En cada módulo, dejamos las indicaciones suficientes para que apliquen lo que aprendieron en la clase anterior.

Si aplican todo lo que hay en los gráficos, sus trabajos quedarán impecables.

En el cuerpo de la mujer, que lógica mente es más elaborado, les dejamos todas las orientaciones, por delante, por detrás y de perfil, para que puedan hacer un buen trabajo.


El barro que viene listo en forma de barbotina, lo pueden trabajar con las manos, porque es un material que no es peligroso, ni mancha la ropa.

Cuando estén trabajando en sus talleres, es importante que se coloquen una ropa adecuada a las circunstancias para estar más cómodas.

Pero si necesitan herramientas para cualquier pliegue o para darle forma al barro, ponemos a disposición este juego de espátulas, estecas y fierros de talla, con el fin de que se vayan familiarizando con ellas.


Clase número diez del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Hacer un dibujo con las técnicas de las cuadrículas.

Muchas veces en la carrera de dibujante o de pintor, se le van a presentar algunas dificultades para realizar sus obras, por la complejidad de ellas o por la precisión que se necesita, para concebirlas en una forma perfecta.

Ejemplo de estos casos podrían ser: Dibujar al carboncillo el templo parroquial de Sopetrán; dibujar la cara de Beethoven y muchas otros más.

Para estos casos vamos a emplear la técnica de las cuadrículas, que aunque no es una forma perfecta para ser un buen dibujante, puede ayudarnos a salir adelante.

Esta técnica consiste en cuadricular la fotografía o la imagen de lo que vamos a dibujar, aplicando las normas técnicas que hemos aprendido sobre los cánones de rostro humano.

Para el dibujo que vamos a hacer, el canon de ese rostro es de seis centímetros; lo que equivale a decir que cada una de las tres partes del canon tiene dos centímetros a saber: (del mentón hasta la base de la nariz; de la base de la nariz, hasta la base de las cejas; y de la base de las cejas, hasta el lugar en donde empieza a nacer el pelo).

Pero si recordemos que vamos a trabajar con dos módulos, es decir: El rostro y el módulo que va hasta donde empiezan los pezones, necesitaríamos doce centímetros para los dos módulos y tendríamos que aumentar un pedazo encima de la parte donde nace el pelo, para poder acomodar, los intríngulis del cabello.

Recordemos, que el cuerpo humano tiene de ancho dos módulos o cánones, necesitaríamos también doce centímetros para acomodar en buena forma la región de los hombros y el ancho del busto.

Veamos eso en un gráfico:

Esta es una copia de la Mujer de la perla que está en el museo de Louvre en París, que fue pintada por Jean Baptiste Corot.

Nuestra técnica consistiría en trazar en el papel en donde vamos a dibujar, unas cuadrículas más grades para que el dibujo cope la hoja y podría quedar así:


Las líneas rojas ejecutadas con sanguina, son una guía para poder recuadricular las partes más difíciles, como los ojos, la nariz y los labios. Observen como en el lateral izquierdo le tuve que agregar un poco al dibujo, para lograr los dos módulos del ancho.

Esta técnica consiste en hacer cuadrículas más pequeñas en los lugares difíciles, para lograr una absoluta perfección.

En este dibujo, vamos a introducir una nueva herramienta de trabajo: Las cretas o pasteles para darle color a nuestra obra.

Las cretas o pasteles son unas tizas parecidas a las que utilizan los maestros, cuando van a trabajar en el tablero.



Estas dos muestras de cretas les pueden dar una idea de cómo se consiguen en el comercio. Las hay redondas, las hay cuadradas, las hay forradas en un papel especial y también se encuentran en forma de lápices.

Ahora veamos cómo puede quedar  de bien cuadriculada, la hoja de papel en donde vamos a dibujar la mujer de la perla.

Recuerden si la quisiéramos más pequeña que la muestra, las cuadrículas deben ser reducidas; pero si la queremos más grande que la muestra, las cuadrículas deben ser aumentadas.

Con esta guía de cuadrículas y recuadrículas, cualquiera puede hacer un dibujo perfecto de la mujer de la perla. Las cuadrículas están con líneas negras; las recuadrículas para hacer los ojos, la nariz y los labios, están con líneas rojas, para que aprendan a distinguirlos.

Las dos flechitas del lado de abajo indican la forma como se debe colocar el papel, para dibujar en él.

Recuerde que las cuadrículas y recuadrículas se hacen en forma muy sutil (Con pereza), para poderlas borrar con la goma después de tener el trabajo listo.

Con las cuadrículas, el dibujo queda así:


Pero cuando las cuadrículas se borran debe quedar así:


Clase número once del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Dibujar una cara de perfil, mirando hacia la izquierda.

Dibujar caras de perfil, es una de las maravillas que se hacen en el arte del dibujo y para lograrlo hay que hacer muchos ejercicios dibujando todo tipo de rostros; recuerden mientras más nos ejercitemos en este tema, mejores expertos resultamos en estos menesteres.

Los perfiles mirando hacia la izquierda son un poco más difíciles que los de mirada hacia la derecha, para las personas que son diestras; pero para los que son siniestros, es el mejor de los placeres y viceversa.

Andrea de Sarto, una buena Florentina del siglo XV, pintó una cabeza de un hombre mayor, con la técnica de carboncillo, que la exhiben en la galería Degli Úffizi de Florencia; yo la recompuse, le agregué unos trazos al pastel y mostré en ella la técnica de los cánones del rostro de perfil, que estudiamos en la clase número siete,  para que Ustedes la pueden dibujar.

Les recuerdo esos cánones:


El canon del perfil, debe tener un ancho de tres medidas y media incluyendo la punta de la nariz y el pelo.

En la siguiente figura, ustedes verán el rostro del hombre mayor con las adaptaciones que le hice, para que puedan trabajar fácilmente esta nueva técnica.

Este es el perfil izquierdo que vamos a pintar en el día de hoy; las líneas con color rojo, no hacen parte del canon de la cara de perfil; se las adicioné, para montar el cabello del anciano, que a pesar de sus años, no ha perdido la belleza de sus caireles y para mostrar las recuadrículas de los ojos, la nariz y los labios, que son las partes a las cuales les debemos poner todo el esmero, para que el retrato se parezca al anciano.

El papel que van a cuadricular, debe tener ocho cuadrículas de largo y seis y media de ancho; recuerden que deben ser de la misma medida por el largo y por el ancho, porque en caso contrario, la imagen que aparecerá, estará desfigurada.

El papel para hacer este dibujo, podría cuadricularse así:

La numeración viene de abajo para arriba y de izquierda hacia derecha, para poder colocar en ella, el perfil izquierdo que queremos dibujar.

Vamos a utilizar la técnica de trazos sueltos y trazos cruzados que consiste en sacarle buena punta a la barra de carboncillo y hacer unas veces trazos sueltos y en forma de pequeñas curvas y otras veces hacer unas especies de eses, con el fin de mostrar que los cabellos del anciano, son semiensortijados, es decir cachumbos, como les decimos los antioqueños.

Si se nos va la mano con el uso de la barra de carboncillo, podemos hacer puntos claros, para realizar nuevos trazos con la goma de borrar.

Al aparecer la figura es bueno borrar los trazos de las cuadrículas y los números, cuando veamos que el dibujo está casi listo, le aplicamos el color de la piel, con una creta o pastel de color carne, sin cometer el error de sobar el dibujo de un lado para otro, porque cuando nos devolvemos borramos la creta que está adherida.

Por último, le aplicamos la laca protectora.

No olviden que las líneas en color rojo, son las recuadrículas para las partes más importantes y unas líneas adicionales que tiene en la parte en donde vamos a colocar el pelo. 

El dibujo terminado podría quedar así:

Clase número doce del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

¿Cuál es la mejor técnica para hacer una pequeña escultura?

Hoy vamos a ver paso a paso, una manera práctica, sencilla y muy segura para hacer pequeños trabajos de escultura; también dedicaremos un espacio de la clase a la corrección final de nuestra primera muestra de escultura y al final vamos a dar una mirada rápida, al proceso de cómo llegamos a la imagen de Nuestra Señora de Sopetrán, porque los vimos muy interesados en esa preciosa disciplina.

Los grandes escultores de la tierra, como Miguel Ángel, Leonardo D’Vinci y otros, cuando iban a hacer una escultura, tomaban un pedazo grande de mármol, del tamaño de lo que querían realizar y en ese tronco del material, empezaban a esculpir, con la ayuda de un cincel y un martillo.

 


Con la tecnología moderna, el cincel y el martillo, fueron cambiados por un martillo especial llamado: Martillo neumático, que funciona mecánicamente, igual que las retroscabadoras, que trabaja con aire comprimido y este aparato hace más fácil la labor de los escultores.

Subida en curso: 58757 de 58757 bytes subidos.

Pero como nosotros estamos empezando a conocer esta hermosa forma de entretener el tiempo, no necesitamos esas herramientas tan sofisticadas, porque lo que hacemos, lo tenemos como una disciplina para mejorar el manejo de nuestro tiempo libre.

Ahora veamos la fórmula mágica para poder hacer en forma sencilla una pequeña escultura:

Tomemos como ejemplo la que realizamos en una de nuestras clases pasadas: Un tronco de hombre o de mujer, sin la cabeza, en el que vamos a trabajar cuatro de los cánones, en que se divide una buena escultura humana.

Si tenemos como canon, que la fotografía o dibujo de la persona que vamos a esculpir, son tres centímetros, nuestra escultura va a medir: tres por cuatro, igual doce centímetros; pero igual operación haríamos si el canon fuera de cuatro centímetros, porque diríamos cuatro por cuatro, igual diez y seis centímetros.

Cuando yo estaba muy niño, mi casa era muy cercana de la casa del gran escultor sopetranero: Don Alfonso Goéz y tuve la fortuna de ser el paje de esa familia; y él me decía: Vea Darío, cuando vamos a hacer esculturas muy grades, el mejor método para logarlo, es hacerlas por partes y cuando se llevan al lugar en donde van a quedar, las armamos cuidadosamente y disimulamos las costuras de las partes, para que se crea, que las esculpimos en una sola pieza.

Un ejemplo de esa norma, es la Virgen de las misericordias del Llano que la llevaron hasta el monumento en cuatro pedazos y fueron montando cada uno de ellos, hasta lograr la imagen perfecta.

Por estas razones, creo que para realizar una pequeña escultura del troco humano, es necesario hacer cuatro módulos de barro, con las debidas normas de los cánones de largo, de ancho y de profundidad y trabajar cada módulo por separado y al final los unimos buscando correspondencia de cada uno de ellos con los demás.

Pero como en estas clases es diciendo y haciendo, aquí están los cuatro pedazos de barro con los cánones de ancho del cuerpo humano, largo de cada módulo y el ancho de perfil.


Empecemos por la parte alta y recuerden que el cuello es de una dimensión parecida a la de la pierna, de una persona que no sea muy flaca, ni muy gorda; también debemos tener en cuenta, que los hombros se deben colocar a un tercio del canon del ancho, porque si los empezamos muy altos, la persona quedaría, como si los estuviera encogiendo; es importante en esta parte, colocar las clavículas, por delante, los omoplatos por detrás y las debidas hendiduras de la columna vertebral en la parte trasera y la pequeña hendidura del esternón por delante; en este canon hay que hacer los principios de los brazos y las cavidades de las axilas.

 

En el segundo segmento, la situación de los pezones, es de suma importancia: Si son de hombre deben ser más pequeños de tamaño, pero recuerden que algunos hombres los tienen muy bien conformados; si son de mujer, personalmente me gustan paraditos, porque cuando están muy descolgados, le estarían restando belleza, al cuerpo femenino; en esta parte del cuerpo, hay que darle mucha importancia al pequeño embudo invertido, con que se va a formar la cintura, pues si es de mujer, es más estilizada, que la de los hombres; pero si es de hombre, tiende a ser un poco más amplia; también es importante aquí, continuar con la pequeña hendidura del esternón y con las dos entrantes que muestran las falsas costillas, que lógicamente son más visibles en los hombres, que en las mujeres; y también es de suma importancia resaltar la curvatura que hace la columna vertebral, en la parte trasera del cuerpo, con su respectiva hendidura.

En la tercera parte, es importante situar el ombligo y tratar de que se vea como tal, recuerden que se sitúa un poco más abajo del principio del canon y que el de las mujeres, es más bajo, que el de los hombres, por aquello de su aparato reproductor; aquí es donde hace falta la malicia de la experiencia, para hacer la pequeña curvatura del lado delantero, a la que llamamos el vientre, en la cual está situado el ombligo; en la parte baja del canon,  se delinean las ingles o hendiduras del final del tronco y se sitúa, el genital, que si es de hombre, consiste en el pene y el escroto y si es de dama, es una pequeña elevación, al finalizar el tronco; por la parte trasera de este canon, tenemos que hacer los glúteos que si son de hombre, solo tocan la vertical que va desde los omoplatos, hasta las pantorrillas y si son de mujer, se salen de la vertical, más o menos en un tercio del canon; pero recordemos que la hendidura de los glúteos, es la que hace la belleza del trasero, en cualquier cuerpo de humano; y como punto final, es de mucha importancia hacer las dos pequeñas hendiduras que definen el final de los glúteos.

El cuarto pedazo, es muy importante, porque nos muestra la estatura que tiene el cuerpo que estamos esculpiendo y por esa razón, no lo podemos recortar, pues estaría mostrando una persona defectuosa en su estatura; hay que darle mucha importancia a la situación de las piernas, para que la persona no vaya a mostrar que es patitorcido, chapinete o con los pies arqueados (cazcorvo), porque lo dejaron caminar mucho, cuando sus piernas no estaban en condiciones de hacerlo.

Ahora procedamos a pulir las estatuillas que hicimos en una clase pasada y cada uno vea que le puede corregir.

Luego apliquémosles una mano de estuco acrílico, para que les demos una mejor presentación.

Por último, veamos el proceso que Doña Ana y los que le hemos colaborado en la esculpida de la imagen de nuestra Señora de Sopetrán, hemos tenido que hacer a lo largo del tiempo.

El primer paso es esculpir la imagen con barro.

La única lástima es no poderles mostrar la imagen de barro que Doña Ana Esculpió, porque el que sacó el primer molde, no era un personaje muy experto y la volvió pedazos.

Cuando la imagen está bien concebida y tiene todas las correcciones del caso, se deja secar y a esa imagen se le aplica vaselina o agua jabonosa, para empezar a sacar el molde; este se hace con silicona de cualquier color o con látex de caucho (árbol que segrega una sustancia pegajosa, parecida a la leche), dependiendo de la dificultad que tenga el molde, se hace de dos caras o de varias formas para cada pedazo de la imagen; cuando se aplica la silicona, debemos tener las manos y sobre todo los dedos muy bien untados de agua jabonosa, para que la silicona, no se adhiera a ellos y se pierda; cuando la silicona ha secado, a esas partes se les hace un contramolde, con yeso o con fibra de vidrio, para estabilizarlo, cuando se va a vaciar el yeso o la fibra de vidrio; después de una hora de secamiento, procedemos a sacar con mucha paciencia y con mucho cuidado el molde, para que no se rompa y en ese molde empezamos a vaciar imágenes en serie de nuestra muestra. 





Clase número trece del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Los elementos faciales.

La forma de los ojos.

Los ojos se parecen a una esfera, a la cual le hemos añadido un casquete, también esférico, al que llamamos: Cristalino.

Podemos imaginar una esfera, con su casquete vista de frente:


Ahora miremos esa esfera desde cuatro posiciones diferentes, sin el casquete:

Inmediatamente nos damos cuenta, que el iris, cambia la forma de acuerdo con la posición.

Pero si le agregamos el casquete, también nos está mostrando, que aunque la esfera es la misma, el punto negro, correspondiente al iris del ojo, toma formas diferente:



Si estuviésemos pintando un ojo, el dibujo gráficamente, podría resultar así.

Pero como los ojos, van acompañados de las pestañas, la forma de dibujarlas más acertadamente, sería esta:


Observen como a la posición de ojos de frente, no le coloqué pestaña, porque para esos casos se acostumbra, delinearlas con un color oscuro.

Pero otro de los accesorios importantes de los ojos, son las cejas, que a veces son más tupidas que otras y eso lo impone la biofísica, para poder defender los ojos de cada uno, de acuerdo con el color del iris (azul, verde, claro, oscuro, café, color miel o negro) del exceso de luz solar:

Pero la posición del iris y las pestañas, cambian totalmente, de acuerdo con la posición en que la persona esté mirando:


Es bueno contarles que el ojo se abre y se cierra, gracias a los movimientos del párpado superior, que es el que se resbala suavemente sobre la esfera ocular, pues el párpado inferior, no sabe hacer estos movimientos: Por esta razón la línea que en los dibujos muestra el párpado superior, es una curva bien definida; en cambio la del párpado inferior es casi horizontal en fase con el lacrimal.

Los ojos no tienen una simetría bilateral.


Como punto final, es bueno decir que como los párpados son una tela gruesa, en cualquier dibujo, se deben ver los pliegues de ellos.

Clase número catorce del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Aplicación de los elementos faciales ya conocidos.

Para la clase de hoy, vamos a hacer una aplicación de la primera parte de los elementos faciales y para ello hemos escogido un retrato muy famoso, hecho a lápiz por: Francecs Serra, si escogimos esta obra, es por la facilidad y la destreza, conque el artista coloca los elementos faciales, que son los que definen si un retrato es de buena calidad o no.

Observen la maestría con que estas manos pintan los elementos faciales:

Miren como las cejas no son iguales y en las cavidades oculares, hay luces y sombras.

Las cavidades oculares, muestran unos trazos perfectos, para poder colocar los ojos, con una mirada de soslayo, que es de advertir: no es la forma más fácil para pintar unos ojos; con cualquier despiste que tengamos, el retrato mostraría una mujer bizca.

La nariz, colocada en un pequeño giro hacia la izquierda, está muy bien concebida y parece que la colocación es intencional, para que produzca una pequeña sombra.

Los labios, son bonitos y muy bien definidos; inmediatamente producen ganas de besarlos.

La forma de la cara no es una esfera, como muchos suponen que son las caras; sino un ovoide.

Debajo del mentón, alcanzamos a ver el giro que hicieron los músculos esterno, cleido, mastoideos y sobre el cuello, proyectó una sombra, bien aplicada que muestra el dominio del claro-oscuro, que indica la pericia del artista y su buena experiencia.

En la parte que alcanzamos a ver de su vestido, hay unas sombras y luces, muy adecuadas a la usanza de esa época y todas son realizadas con el lápiz.

En el pelo, dejó unos claros y los oscuros los aplicó con barras de carboncillo o con lápices de una buena gama de blandos.

En el lateral derecho del pelo, dejó ver que la persona que está retratando, es de cabello ensortijado, es decir con cachumbos; y en el lateral izquierdo deja ver unas sombras un poco traslúcidas, para mostrar que a su retrato le está llegando la luz, por la parte derecha del rostro.

Después de este cuidadoso análisis, miremos el retrato cuadriculado; cada una de ellas, de igual número de centímetros de lado y están numeradas de arriba hacia abajo, para que aprendan a manejar los dos sistemas:

El paso siguiente es aplicar todas las técnicas que el pintor utilizó, para que podamos llegar un día, a la perfección, en la ciencia de hacer retratos.

Les vamos a entregar una hoja de opalina piel de ángel, para que ejecuten ese retrato. Nos gustaría, que solo empleen: El lápiz y la barra de carboncillo.

El paso siguiente es aplicar todas las técnicas que el pintor utilizó, para que podamos llegar un día, a la perfección, en la ciencia de hacer retratos.

Les vamos a entregar una hoja de opalina piel de ángel, para que ejecuten ese retrato. Nos gustaría, que solo empleen: El lápiz y la barra de carboncillo.

El retrato terminado les puede quedar así:


Clase número quince del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Los elementos faciales, segunda parte.

Los elementos faciales son: Los ojos, la nariz, los labios y las orejas; estos elementos son los que hacen la belleza de un rostro y si los manejamos con una buena experiencia, podemos llegar a ser buenos retratistas.

Hoy dedicaremos nuestro tiempo al estudio de los ojos, que son los que más expresión le dan al rostro, porque cuando los colocamos, el dibujo que estamos haciendo, empieza a tomar forma.

Cuando a un rostro le faltan los ojos, no podemos saber a qué persona corresponde.

Pero trabajar este tema, sin unos gráficos, me parece que no alcanzaríamos a entender la importancia de cada elemento facial.

En esta forma empezaríamos a bocetar un ojo.

Con un lápiz, ojalá blando, estamos situando la ceja, que cierra por el lado de encima la cavidad del ojo, para poder trabajar con absoluta seguridad.

Continuamos el proceso, tratando de concretar los contornos del ojo; en este paso estamos rectificando lo que hicimos en el primer paso y dejamos listo el ojo, para que reciba los efectos del claro-oscuro; observen como modificamos la abertura del párpado y definimos muy bien la curvatura hacia abajo.

En este paso, empezamos a trabajar los relieves y oscurecemos los pliegues de los párpados y hemos oscurecido la cavidad izquierda de la zona ocular, cuyo punto más profundo corresponde al lacrimal, también hemos entonado un poco el iris o parte redonda del ojo.

Hemos terminado de hacer un ojo derecho, pero analicemos algunas cosas:

Hay en el ojo una sombra interior, proyectada por el párpado superior y las pestañas.

Como el ojo es una figura esférica, en sus laterales hay unas pequeñas sombras.

Dejamos plenamente identificados los párpados.

El brillo del ojo lo está determinando el punto blanco, situado en el borde de la pupila.

Es importante decir que esta iluminación que hicimos, corresponde a una forma de recibir la luz normal, pero para cada caso, de pintar distintas formas de ojos, existen otro tipo de valoraciones de las sombras y las luces.

Ahora miremos este gráfico, para que puedan comprender por qué los ojos siempre giran en el mismo sentido, para que no queden bizcoretos.


Cuando Ustedes sean capaces de hacer los trazos que hay en este gráfico, pueden estar seguros de que saben hacer cualquier posición de los ojos.

A lo largo de su vida de artistas se les presentarán formas distintas de colocar los ojos de una cara, hagan el ejercicio de las dos esferas con el iris y las pupilas, montadas en el mismo eje y esto les enseñará en forma segura, como deben posicionar las partes internas del ojo.

Clase número diez y seis del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Los elementos faciales tercera parte.

Los conocimientos de los cánones del rostro, que tenemos de clases anteriores, (clase número siete), nos permiten estructurar una cabeza humana, real o imaginaria, correcta en sus proporciones y con la distribución exacta de todos  sus elementos faciales, bien colocados (Ojos, nariz, labios orejas y cejas).

Pero el reto más importante que debemos tener de ahora en adelante, será hacer nuestro propio retrato, apoyándonos en los conocimientos que ya tenemos y con la valiosa colaboración de un espejo.

Con la experiencia que Doña Ana y Yo tenemos, les podemos enseñar los siguientes trucos o malicias:

La altura de las orejas es de un módulo, recuerden que un módulo es la medida que hay entre la barbilla y la base de la nariz, o entre la base de la nariz y en principio de las cejas, o entre el final de la nariz y el lugar en donde empieza a nacer el pelo, en la frente.

La distancia que separa las cejas, del centro de los ojos es la cuarta parte de un módulo.

Si dividimos por dos la distancia, entre la barbilla y la base de la nariz, de un módulo del rostro, obtenemos la línea que sirve de base al labio inferior.

Es importante decir que las cabezas normales, a veces difieren en pequeñas cantidades de milímetros, estas normas, pero hay ciertas proporciones que nunca cambian: La distancia entre los ojos, es siempre la de un ojo, (pero cuando digo ojo, no estoy incluyendo la parte de los párpados que lo enmarcan).

La altura de una cara, siempre tiene los tres módulos y casi siempre son exactos.

La altura de las orejas y la nariz, en un noventa y cinco por ciento de los humanos, es equivalente a un módulo.

Para terminar el estudio de los ojos, que tal vez son los elementos más difíciles para pintar del rostro, miremos estas cinco formas de dirigir la mirada:

Es bueno que Uds. Se ejerciten en estas formas de mirar, haciendo estudios de ellas en sus cuadernos de trabajos, para que nunca los cojan cansados, en los retratos profesionales que van a hacer, a lo largo de sus vidas.

Ahora miremos un gráfico de los otros elementos faciales, para que Uds. Se dediquen a dibujar, sus facciones y después puedan dibujar las de algunos de sus compañeros de trabajo.

De los ejercicios que Uds. hagan con los elementos faciales, dependerá la pericia de buenos retratistas que saquemos de este curso.

Clase número diez y siete del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Las medidas perfectas en el rostro.

Para información de todos nuestros alumnos, Doña Ana y yo, traemos a cuento el concurso anual que se hace del rostro más perfecto de la tierra y en el último evento resultó favorecida la británica: Florence Colgate, con unas medidas que hasta los mejores escultores, no conocíamos.


“La británica Florence Colgate cumple con los requisitos necesarios para ser considerada una mujer perfectamente hermosa.

La distancia entre sus orejas es exactamente el doble del trecho que separa a una de sus pupilas de la otra. Además, la distancia que hay de sus ojos a su boca equivale a una tercera parte de la que separa su barbilla de la línea donde comienza su cabello, arriba de la frente. Ambas proporciones coinciden con la belleza perfecta que los científicos obtuvieron tras correlacionar múltiples variables. 

Carmen Lefevre, investigadora del Perception Lab de la University of St Andrews School of Psychology, explica la perfección de esta mujer: 

Florence tiene todas las señas de la belleza clásica. Tiene ojos grandes, pómulos salidos, labios rellenos, y tez clara. La simetría parece ser un elemento muy importante para definir a alguien atractivo”. 

 Ahora veamos si somos capaces de cuadricular una opalina y de hacer un intento de retrato.


Les vamos a suministrar un retrato de Florence, debidamente cuadriculado y Uds. Van a cuadricular la opalina.

 


Queremos saber: ¿Cómo cuadriculan nuestros alumnos? Porque de esa habilidad dependen los retratos interesantes que puedan hacer.

 Clase  número diez y ocho del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

La paisajística.

Esta es la parte tal vez más anhelada por cualquier estudiante de artes plásticas, porque en ella, los humanos encontramos la forma de dar rienda suelta a nuestros deseos respecto a la pintura; es aquí en donde todos ustedes van a centrar sus aspiraciones, para mostrarnos a Doña Ana y a Mí, toda la fortaleza de sus habilidades y destrezas en el dibujo, que hemos practicado por espacio de seis meses.


Esta es una recreación del viejo camino real que conducía de Belmira a Horizontes; en esta composición, la línea del horizonte, quedó un poco más abajo del centro del espacio que tengo para pintar, porque le quería dar importancia al cielo de una mañana poco soleada;  la sombra del techo del rancho de iraca, se ve con mucha precisión sobre la parte alta de la puerta y las ventanas.

También en bueno mostrar la forma perspectiva en que están situados los pinos, porque a mayor lejanía, menor altura del árbol

Como el sol está parqueado en el lateral derecho, parte alta del paisaje, hay que tener el cuidado de proyectar las sombras de los pinos, en una forma contraria.

Es de suma importancia, darle distintos colores verdes a las montañas, para diferenciar las clases de vegetación y la iluminación que el sol les da.


En este caso, la línea del horizonte, está casi en la mitad del espacio, porque necesita, en ambas partes lugares adecuados para los potreros y los saltos y la parte alta, para destacar las montañas y el esplendor de cielo.

El camino y las cercas de los potreros, se van desvaneciendo, a medida que se alejan de nuestra vista, para buscar el efecto de lejanía.

El agua, como es de un nacimiento cercano, todavía conserva un hermoso color, porque si estuviéramos pintando el río Cauca, sus aguas son de un color parecido al barro y a las arenas que arrastran.

Con mucha malicia hay que saber hacer el cielo, para que las figuras especiales del paisaje, se puedan ver nítidamente.

En este paisaje, la línea del horizonte, está por mitades, para dejar ver el lago y las montañas y el cielo.

Si el cielo hubiera sido pintado azul, el paisaje hubiera perdido su gracia, porque como hay tanto color verde y tanto azul, había que recurrir al recurso de un tono cálido, como el naranja de los arreboles, para darle vida a las montañas y separar muy bien el cielo y la tierra.

En la perspectiva de lago, las tres barcarolas, se ven de distintos tamaños, a pesar de que son casi iguales, para conseguir el efecto de lejanía.

La entrada hasta el embarcadero, para mostrar la distancia, se hizo en forma curva y con la concepción de una perspectiva.

La pequeña cerca que tiene la casita, al lado derecho, también tiene el efecto de perspectiva.

Los rayos solares, que se cuelan por algunos claros de la nube que genera el arrebol, salen delgados, pero a medida que se alejan, hay que ampliarlos, para mostrar la perspectiva.

En este paisaje, la línea del horizonte quedó bajita, porque necesitábamos destacar la altura de las palmeras y la belleza de los farallones.

Para destacar las formas de los farallones, cuando concebimos el cielo, tuvimos que apelar al recurso de unos cúmulos de nieve, para que los picos resalten en forma elegante.

El follaje de las palmas, había que diseñarlo de una forma especial, para que no taparan la belleza de los picos de los farallones.

Cuando el oleaje, entra en la ensenada, por la placidez del lugar, las olas se distribuyen suavemente y hacen unas hermosas ondulaciones.

En los paisajes, ninguna figura debe tapar a las que están más lejanas, para que todas conserven su rango.

En la clase siguiente les estaremos enseñando las clases de colores que existen para hacer los paisajes y la manera como se distribuyen, si son cretas, acrílicos, óleos, guachas, tintillas u otros materiales.

Ahora les presento este hermoso y fácil paisaje para que lo realicen como tarea.

Las orientaciones, antes de empezar a pintarlo,  son las siguientes:

Lo primero que van a hacer, es encuadrarlo, es decir colocar un bosquejo de cada elemento en el lugar que les corresponde, para que el aspecto general del boceto, se vea parecido a la muestra.

La línea del horizonte, va a estar muy caída, porque necesitamos espacio, para mostrar  la belleza del rancho y las formas de los árboles.

Los árboles no fueron concebidos con sus hojas, sino con un parecido a ramas y observen muy bien que el cielo fue concebido, para que los árboles muestren todo su esplendor.

El efecto de lejanía, se deja ver entre el rancho y la cerca, en donde posiblemente hay una bella llanura.

La cerca son unos tacos de madera o guadua, colocados rústicamente y por detrás de ellos, hay unos arbustos.

La pequeña acequia que pasa por el patio del rancho, imita la belleza del cielo y nos muestra un efecto de profundidad, cuando el pintor proyecta las sombras de las pequeñas malezas, que nacen en su rededor.

Las tejas del rancho, están bien colocadas y en algunos lugares, muestran las sombras de los efectos solares y un envejecido natural.

Las dos aves de corral son casi esquemas de aves y muy fáciles de pintar.

 Clase número diez y nueve del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

La perspectiva una de las mejores disciplina de los estudiantes de plástica.

Hoy vamos a continuar con el tema de perspectiva que empezó Doña Ana María, en el pasado taller del día 12 de marzo, en las instalaciones de su finca: El Edén.


El estudio de la perspectiva es uno de los temas más apasionantes y requiere de mucho compromiso, para poderlo asimilar y saberlo aplicar en nuestras obras de arte. Este estudio, no es un tema que se pueda tratar a las carreras y nos atrevemos a pensar, que los profesores responsables de artes plásticas, le tienen que dedicar mucho tiempo; tener mucha paciencia para que sus alumnos lo asimilen; y el alumnado se debe preocupar por entender las normas que lo regulan.

Para lograr hacer este paisaje urbano, se necesitan tres puntos de fuga, para que la perspectiva aérea logre impresionar a los que van a ver la obra.

 Este ejemplo, un poco más sencillo, nos está mostrando, como se puede hacer un pequeño edificio en perspectiva; observen como solo hay dos puntos de fuga.

Ahora miremos la forma en que se puede hacer un paisaje campestre, con un solo punto interno de fuga.

Lo primero que debemos hacer, es encajar bien cada parte de la obra y ordenar todo el contexto, para que cada elemento quede en el lugar que le corresponde.

Cuando los trazos están en estas condiciones, se puede hacer la primera valoración de cada uno de los elementos y los resultados serían:

Para finalizar por hoy, vamos a dar respuesta a una pregunta que nos formuló uno de los alumnos a Doña Ana María y a Mí: ¿Cómo se hace una perspectiva del interior de un edificio?

La respuesta casi siempre, es apelar a un gráfico de geometría Plana, en la siguiente forma:

Lo primero que hago es colocar dos líneas diagonales, que van a encontrarse en un punto; entre esas dos diagonales trazo lo que puede ser el primer arco y le trazo a ese espacio, sus dos medianas; luego por el punto por donde se cruzaron las medianas, trazo una línea, que también va a encontrase en el punto de las diagonales.

Después trazo una línea oblicua desde el punto de partida alto que pase por la línea mediana y el lugar en donde se encuentra con la oblicua que va para el punto de fuga, será el espacio para el segundo arco y así sucesivamente; para encontrar las medidas del lado de arriba se hace la operación a la inversa, como lo indica el siguiente gráfico.

Esta misma operación se hace con la parte de arriba, para encontrar los puntos exactos en donde ira cada arco, pero esta operación no es necesaria porque la línea media y las medidas que resultan en la de abajo le indican con toda seguridad cada espacio.

Este es el diseño completa de la perspectiva de un interior:



Para volverse expertos en esta disciplina, ustedes tienen que hacer muchos ejercicios de cuenta propia, con el fin de adaptarse a cualquier tipo de circunstancia.

Recuerden que cada edificio es un caso distinto en donde la geometría plana y la del espacio, nos irán orientando para salir adelante.

Clase número veinte del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

¿Qué es una naturaleza muerta?

Cuando una persona es aficionada a dibujar y pintar, en su entorno, encuentra una serie de objetos y cosas para representar en sus obras, que los podemos clasificar en cuatro grandes grupos:

Los paisajes: Marinos, rurales y urbanos.

Los animales o las plantas en su medio.

Los retratos de las personas o los animales.

Y los bodegones.

Pero: ¿Qué es un bodegón?

Es una pintura o un dibujo, en el que se representan: Alimentos; recipientes y utensilios domésticos de cualquier índole; prendas de vestir como zapatos y todo aquello que la imaginación humana diseña, para adornar sus pinturas y dibujos, con el fin de causar la mayor sensación de belleza a nivel de la plástica.

Los grandes maestros de las artes plásticas, han acordado en nominar a ciertos bodegones, que están compuestos por seres inanimados: Naturaleza muerta, talvez, porque son seres sin vida; pero en la actualidad se consiguen en el mercado de la plástica algunos bodegones de naturaleza muerta, con elementos vivos como las frutas o las flores y a estas obras les decimos en el argot de la pintura: Bodegones mixtos, porque están compuestos de seres inanimados y seres con vida.

Pero a veces, las personas que manejamos estas artes, colocamos a nuestros alumnos, algunos modelos de bodegones o naturalezas muertas, con unas formas bien definidas, para que aprendan a pintarlas, partiendo de figuras geométricas, como en el caso que mostramos a continuación:


Observen el modelo en blanco y negro, con las formas geométricas incorporadas, para poder trabajar con algún grado de exactitud.


Circunferencia, cilindro, pirámide, cono y cono truncado.

Esperamos que ustedes van a practicar en sus casas de muchas maneras y traten de realizar los ejemplos que les presentamos, para  que se especialicen en un arte muy productivo, cual es el de hacer bodegones, porque todas las personas los compran para decorar sus comedores y los espacios importantes de sus hogares.

A continuación les mostramos fotografías de grandes bodegones:


Clase número veintiuno del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Pintar un bodegón con cretas o pasteles de colores.

Hoy escogimos un bodegón muy hermoso de: Jos van Riswick, que lo podemos bosquejar con las técnicas que aprendimos en la clase anterior.

Para pintarlo podemos emplear papel canson o en su defecto Opalina texturizada.

Para comenzar tracemos un dibujo en líneas sencillas, sin sombras y muy suaves, para no manchar el papel, tratando de no hacer trazos innecesarios, con el fin de no tener que utilizar muchas veces la goma de borrar.

Para ejecutar este dibujo, nos podemos valer de formas geométricas, como lo hicimos en la clase anterior.

Terminada esta primera fase, borramos las líneas de tanteo y las que nos sirvieron para encajar el dibujo.

Acto seguido, puedo aplicar color sepia, porque es un color que me sirve de fondo, para que mi bodegón luzca lo más elegante que se pueda

A continuación, con cretas blanca y amarilla, resaltamos las partes que van a estar más iluminadas.

Recuerden que los colores que nos dan los pasteles, no se deben tocar con las manos o con los dedos, para que no los vayamos a borrar.

Seguidamente con una creta negra, creo una atmósfera de fondo negro y oscurezco, las partes de sombra de la botella y el vaso.

Es muy importante emplear el difumino o en su defecto la punta de un color neutro, para que los trazos queden, bien suavizados.

Estos difuminados también los puedo hacer con las yemas de los dedos o con un pequeño trapo.

Ahora, empiezo a trabajar el fondo con pequeños aportes de otros colores.

Observen muy bien como en este paso tenemos que pulir las sombras y las luces de la botella y el vaso.

El paso siguiente es pensar en los colores de la manzana y por esta razón he colocado algunos trazos de color rojo en ella.

Estos son los pasos finales y nuestro bodegón está llegando a su final.

Observen muy bien las sombras que he dejado de la manzana y el vaso, sobre la mesa, porque estos toquecitos son los que hacen las buenas pinturas.

Seguidamente les voy a mostrar la obra en su estado final, observen como quedó el fondo, como apliqué las sombras y las luces en todos los elementos, como le di mucha categoría a unas luces especiales que tienen la botella y el vaso y como iluminé con mucha especialidad la atmósfera del fondo y de la mesa con algunos colores adicionales, para que el bodegón luciera con todo su esplendor.

Ojalá ustedes en sus casas se ejerciten en este tipo de pinturas, para que cada día aprendan todos los secretos que el arte les va enseñando.

Al terminar el dibujo, es de mucha importancia aplicar cualquier fijador; Laca, frisantino, frisativo u otro cualquier producto que fije los colores. 

Si no lo haces tu obra se perderá, en pocos días.

Clase número veintidós del curso teórico práctico de dibujo pintura y escultura.

Pintar el retrato de la cara de un león.

Empecemos con unas instrucciones especiales, para manejar correctamente los pasteles:

Para trazar líneas con las barras cuadradas, se utilizan las aristas de los pasteles; Para corregir los errores, cuando se aplican los colores, se utiliza un trapo, una servilleta de cocina o un borrador maleable (este es una goma especial que parece un pedazo de plastilina); los pasteles se fabrican en una inmensa gama de colores, para no tener que combinarlos; los grandes pastelistas de la tierra, recomiendan utilizar papel granulado, texturizado o con dientes, es decir con pequeños altibajos, para que los colores se adhieran en forma adecuada, porque en el papel liso, los colores no se fijan bien. Hay un papel granulado en colores, que podemos elegir a voluntad, según el trabajo que vamos a ejecutar.

Para bosquejar nuestro trabajo, vamos a emplear el lápiz común o un lápiz  de carbón de barra fina, tratando de no manchar mucho el papel.

Las primeras líneas van a ser muy sutiles y no tienen que definir el dibujo por completo, pues con que logremos bocetar la cara del león y las partes por donde va a estar la melena, serán trazos suficientes.

Es de mucha importancia saber centrar la figura que vamos a pintar, para que no quede alta o bajita, ni hacia el lado derecho o izquierdo.


El pintor utilizó un papel de color oscuro, para que la pintura del retrato sobresalga, con sus colores claros.

Comencemos pues por hacer el encuadre de la cara de nuestro animal, tratando de definir muy bien los ojos, la nariz y la boca; la melena solo la vamos a bocetar, para que tengamos en cuenta cual parte del papel va a ocupar.

Insisto mucho en que la cara quede bien centrada, porque en el trabajo anterior, algunos colocaron las figuras del bodegón hacia uno de los lados.

En el segundo paso, vamos a pintar unas manchas, que nos servirán para definir los claroscuros del retrato.

 

Con un carboncillo, bocetemos las partes de la melena, los labios y las fosas nasales, que van a ser oscuras; y con un color marrón, teñimos las partes de sombras más claras que nuestro retrato tendrá; las partes que van a ser claras, las dejamos sin color, porque estas serán las zonas más suaves que va a tener el dibujo.

Seguidamente, vamos a fundir con los dedos o con la ayuda de un trapo o una servilleta, las manchas que acabamos de aplicar.

A continuación, con una barra de carboncillo o con un lápiz de color negro acentuamos los oscuros de los labios y la nariz y empezamos a trabajar los ojos; y definimos los espacios claros, con un lápiz o una barra de pastel blanco.

Con este paso, ya tendremos definido nuestro retrato, con sus claroscuros y una imagen bien definida del león.

En este paso, vamos a detener nuestro trabajo en los ojos, que son los que dan la expresión del retrato; acentúo las sombras de la frente, la nariz y los párpados y trato de fundirlos con mucho cuidado, con la ayuda de un difumino delgado o con la barra de un lápiz que no entorpezca los colores que he aplicado.

Los ojos deben quedar parecidos a esta fotografía.

Acto seguido empiezo a hacer unos trazos cortos y bien definidos, que imiten el pelo que tiene nuestro león.

Con el paso siguiente, empiezo a delinear muy bien la nariz y le doy vida a los pelos de esta parte, que son muy cortos, como lo muestra la fotografía que sigue.

En esta etapa, definimos los lugares en donde van a estar los bigotes, que se muestran en la fotografía, como sombras un poco oscurecidas y defino el triángulo invertido de la nariz.

Cuando salgamos de este paso, nuestro retrato deberá estar muy parecido a la fotografía que sigue, porque nuestro retrato ya está en los últimos pasos.

Los labios no tienen que ser simétricos, es decir iguales, uno puede estar más caído que el otro y este toque le da mucha importancia al retrato.

Cuando vayamos a trazar los bigotes, recordemos que no son tan largos, ni tan simétricos, como los de los gatos domésticos.



En la fase que sigue, vamos a pintar los pelos de la melena, que deben seguir la línea de orientación que debe tener el pelo.

Se pinta primero el pelo de la melena, porque los bigotes, se deben pintar por encima de ellos.



En la fase final, vamos a pintar los bigotes, que no son herméticamente rectos y pueden tener algunos torcidos que seguramente le lucirán mucho.

Les recomiendo en especial, que hagan cada lado por separado, para que no molesten mucho los colores y para que puedan hacerlos en forma no simétrica.


Con este paso, nuestro dibujo está listo, ahora disfrutémoslo.

Clase número veintitrés del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Pintar al pastel un paisaje de un atardecer en una taiga.

Las taigas son los bosques naturales de coníferas (Pinos), que hay en Alaska y la Siberia.

Este atardecer es más o menos a las seis de la tarde y los pinos, algunos de ellos llenos de chamizas secas, están respaldados en unos arreboles propios de esas regiones de la tierra.

Veamos la muestra:

Lo primero que vamos a hacer es el boceto de la obra, tratando de acomodar todas las figuras y los arreboles, en el lugar que les corresponde, es decir, hacemos un buen retrato de lo que estamos viendo, como lo muestra la figura que sigue:

Si observan muy bien, el boceto se parece a la muestra, pero no es calcado, ni fotografiado; es algo muy parecido.

La línea del horizonte, resultó un poco errática, porque los árboles no fueron sembrados en línea recta, sino que nacieron en el terreno al capricho.

El paso que sigue, es hacer el cielo, que es la región más apartada de nuestra vista; si utilizan bien los pasteles, lograrán hacer un arrebol muy parecido al de la muestra; no se deben hacer los arreboles con colores distintos, porque estaríamos desmejorando el trabajo; no debemos repisar los colores, porque pierden mucho brillo; recuerden que los tonos de los atardeceres en el cielo, son enseñanzas que la naturaleza nos da, todos los días.

Veamos muy bien cómo se da ese paso:

A continuación vamos a terminar el trabajo, con la parte de tierra y los árboles de pino que son los que le dan el colorido al paisaje; observen bien los detalles de las chamizas, a las cuales hay que darle gracia con formas raras; las pequeñas hierbas que nacen en las orillas del terreno; la manera como se hace el follaje de los árboles; miren como no se configuran las hojas de los pinos, en ninguno de ellos tuvimos que mostrar hoja por hoja; Miren como ninguno de los pinos es igual a los demás; traten de que algunos árboles queden con un pequeño torcido, a cualquier lado, para darle gracia a las formas del dibujo; cuando ustedes sean profesionales, les va a gustar agregarle al piso, unos tonos verdosos ocres y marrones, para simular la variedad de colores del suelo, pero por ahora se los dejamos así, para no complicarlos, con el uso de los pasteles.

Miremos como puede quedar el dibujo, ya terminado:

La fase final sería aplicar el fijador, pero nosotros somos enemigos de aplicarlo de inmediato, para poder hacer las correcciones que sean necesarias, con el fin de mejorar el trabajo.

Clase número veinticuatro del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Pintar un paisaje marino con los pasteles.

Las pinturas de paisajes marinos o de mar se remontan por lo menos a murales decorativos de la antigua Roma. El género se siguió desarrollando a través de la Edad Media y luego se hizo popular durante el Renacimiento. Los manuscritos iluminados a menudo contenían paisajes marinos pintados en miniatura. Muchos pintores holandeses de la edad dorada del siglo XVI realizaron pinturas realistas de paisajes marinos. La tradición llegó a otro punto álgido con el naturalismo estadounidense y los pintores franceses impresionistas del siglo XIX.

Para pintar este paisaje, lo primero que debemos hacer es boceto o encuadrarlo en el papel que tenemos disponible.

En esta figura mostramos como puede ser ese boceto:

El paso que sigue, es empezar a colorear lo que esté más lejos de mi vista; o sea que debo empezar por el cielo; recuerden que las nubes, son las que le dan una buena presentación a los cielos que pintamos; deténgase al colorear los claro-oscuros del color azul, para que la obra sea de buena calidad, porque no estamos pintando una puerta, que debe quedar del mismo color.

Fíjense muy bien como la línea del horizonte, resultó fraccionada en cinco pedazos que corresponden a los pequeños rizos que hacen las aguas, al chocar con las colinas.

Al pintar el cielo, métase un poco entre las colinas, para que cuando las vaya a colorear, el empalme de cielo y las colinas quede perfecto.

El cielo puede quedar así:


En el paso que sigue, hay que tener en cuenta que las montañas, cuando están muy alejadas de nuestra vista, toman un color verde-azuloso, que les da mucha vida.

Estas colinas, están llenas de arbustos que no alcanzan a tomar forma, por lo retirados que están de nuestros ojos.

Pintemos el primer plano de colinas y no olvidemos incluir una pequeña franja del mar que se encuentra incrustada entre la última colina y el primer conjunto de ellas.

Para que la obra luzca bien, es bueno darle un tratamiento distinto con los pasteles a cada una de las colinas, para que el que va a observar nuestra obra, pueda deleitarse con ella.

Este paso puede quedar así:

Ahora podemos continuar aplicando el color a la parte del mar, que está a una profundidad media de nuestros ojos y a las colinas más cercanas.

Recuerden que a medida que las colinas van siendo más cercanas, el color azuloso se va perdiendo y empieza a aparecer el color verdoso de ellas.

El mar va mostrando su verdadero color y el paisaje va tomando su textura.

No olviden que el mar, no es un color uniforme, pues en él, se encuentran, azules, verdes, amarillos, ocres y a veces es un mar sucio.

Este paso puede ser así, más o menos:

Para terminar nuestra obra, apliquemos los pasteles en el mar cercano y en la pequeña playa.

Ese mar lo debemos hacer de un color más claro y en la playa, debemos mostrar la parte que inundan las olas, con un cloro oscuro azulado y la parte de playa con colores blanco y ocre claro.

La obra terminada puede ser así más o menos y recuerden que el último paso, es aplicar el frisativo, frisantino o laca, pero no lo hagan en el mismo momento en que terminen, porque más tarde cuando lo vean, van a querer corregir algunos detalles, que tal vez quedaron mal, por efecto del cansancio.

Cuando sean unos profesionales, va a querer pintar algunos paisajes, más complicados que este y que tengan algunas figuras animales o vegetales y tal vez le quieran agregar objetos como casas talanqueras y otros elementos propios de la paisajística.


Clase número veinticinco del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.

Dibujar una naturaleza viva con pasteles.

En los talleres que dictamos en la casa de Doña Ana, hablamos de los dos tipos de naturalezas, que se pintan en plástica: Naturaleza muerta y naturaleza viva.

Hoy para finalizar esta primera etapa de pintura con pasteles, vamos a pintar una naturaleza viva, (un florero con unos capullos de rosas y unas hojas decorativas, montado sobre una mesa).

Para darles la oportunidad de mostrar sus avances en esta parte del curso, no vamos a mostrar el paso a paso, sino que esperamos que cada uno, nos muestre sus propias iniciativas, respecto a esta hermosa pintura.

Yo la interpreté de la siguiente forma, pero cada uno de ustedes va a tener la oportunidad de mostrarnos, la capacidad que ha desarrollado a los largo de diez meses de curso.

Mi pintura resultó así:

Seguidamente vamos a ver unas generalidades acerca de las cretas o pasteles, para que los tengan en cuenta en sus vidas profesionales de artistas plásticos.

La pintura al pastel es una técnica pictórica seca y de una calidad excelente.

Las barritas son pigmentos aglutinados con cualquier tipo de goma.

La pintura al pastel, tiene un efecto de color aterciopelado, sobre el papel que le da una presentación muy viva y atractiva.

Esta es una técnica muy agradecida y fácil de pintar, porque se puede practicar sin la ayuda de pinceles, ni disolventes.

Las ventajas de pintar con pastel, son:

Es una técnica rápida y muy relacionada con el dibujo, por esta razón, es el paso que sigue, a este arte, en los cursos de plástica.

La técnica al pastel, permite la espontaneidad y la agilidad, para que los alumnos, expresen sus sentimientos.

Esta técnica, permite la representación real de lo que pintamos.

Con los pasteles, se pueden crear obras muy realistas y cualquier persona lo puede lograr, sin muchos esfuerzos.

Los pasteles son colores vibrantes y muy vivos.

Esta técnica se puede combinar con: Acuarelas, Acrílicos, Óleos, y otras técnicas secas y húmedas.

Lo más importante es que permite el método aditivo, es decir: Añadir un color sobre otro.

Las desventajas de trabajar con pasteles serían:

Como casi siempre se pinta sobre papel, las obras son por naturaleza frágiles y están sometidas al deterioro por los agentes externos; por esta razón es importante protegerlas con un cristal.

Como el color se deslustra fácilmente, hay que aplicarle un fijador (Frisativo, Frisantino o laca trasparente).

Esta razón hace que sean enemigos de los pasteles: El viento, los golpes, las tocadas indiscretas,  y cualquier cosa que produzca movimiento de las partículas del pastel, que están adheridos al papel.

Se podría decir, que la humedad es el enemigo más peligroso de las obras ejecutadas al pastel.

No se debe repisar, porque las obras pueden quedar muy pesadas y pierden su brillo y satinado.

Una de las grades desventajas del pastel, es que no se puede borrar en forma absoluta y por esa razón los pastelistas, piensan muy bien cada paso que van a dar con sus obras, para no correr el riesgo de borrar, porque esa operación las entorpece.

La técnica del paso a paso del pastel son las siguientes:

Decidir el tema, apropiado al talento de cada uno de los posibles pintores.

Adquirir una cartulina texturizada o papel canson, porque el papel común no permite hacer buenos pasteles.

Tener una buena cantidad de colores, porque esta técnica, no es buena para hacer mezclas sobre el papel.

Cuando hay que hacer difuminados, se deben hacer directamente sobre la obra.

Para difuminar los pasteles se puede emplear el difumino que venden las tiendas de arte, papel higiénico o un pequeño pedazo de trapo, ojalé que sea de algodón, para que pueda difuminar en forma.

Al terminar las obras, aplique laca o fijadores, para que sus obras se conserven en buen estado.

Cuando se quiere aplicar un color sobre otro, es indispensable, fijar con laca o fijador el color que ya tenemos, de lo contrario, la mezcla de los colores será pésima.

Cuando estén fijados los colores, puedes aplicar aquellos que quieres resaltar y a esos no les apliques fijador, ni laca.

Trucos relacionados con este arte:

Las barras de pastel, deben estar siempre en el sitio que trae la caja, para cada una de ellas.

Si la caja se pierde o no la tienes, debes guardarlos entre unos granos de arroz, para que no se juntes los colores, de lo contrario, las barras se ensucian unas con otros y los colores que resultan son de muy mala presentación.

Si necesitas un color muy oscuro y no lo trae la caja, aplica un poco de negro en el lugar y luego aplicas el color que deseas.

A continuación te dejamos una buena muestra, para que la reproduzcas en tu casa.


Sopetrán, Junio 26 del 2016.

Darío Sevillano Álvarez

Clase número veintiséis del curso teórico práctico de dibujo pintura y escultura.

Estudio de las manos.

La facultad que el hombre tiene de expresar sus sentimientos a través de las partes del cuerpo, se llama: Expresividad y las manos, aunque no lo creamos, hacen parte de esa facultad, porque con sus movimientos y su actitud, ayudan a expresar lo que queremos comunicar a los demás.

¿Has analizado alguna vez, la extraordinaria movilidad de tus manos? ¿Has sentido la curiosidad, de observar la cantidad infinita de gestos que hacen tus manos, cuando nos estamos comunicando con los demás?

Podríamos concluir: Que las manos también hablan. Por esta razón los grandes artistas de la tierra, le han dedicado estudios importantes a las manos y a las diversas posiciones que ellas hacen.

Esto ha hecho el milagro de que los grandes de la plástica, hayan estudiado, todos aquellos gestos que las manos hacen y cuáles son las posibles interpretaciones que les podemos dar, a nivel de los detalles anatómicos; de su estructura interna; y de sus movimientos.

Por estas razones, vamos a tomar tres o cuatro clases, para estudiar la constitución anatómica de las manos; vamos a hacer varios dibujos de ellas, para concebirlos en las distintas posiciones, que hacen; y vamos a consultar en internet y en los libros las grandes obras de las dibujantes, pintores y escultores de la tierra, para que podamos entrar en el mágico mundo del conocimiento de nuestras extremidades superiores.

Para la clase de hoy vamos a mirar la estructura anatómica de las dos manos del homo sapiens.

El proceso que sigue, es enseñarte a dibujar manos, a partir de la tuyas: Si eres diestro es decir, si trabajas con la mano derecha, puedes poner tu mano izquierda, como modelo para pintarla; si eres siniestro, es decir trabajas con la mano izquierda, tu modelo para dibujar, deberá ser tu mano derecha.

Cuando veas nuestro gráfico, te darás cuenta, que no estamos calcando y que solo hacemos lo que estamos viendo de nuestra mano.

En nuestro arte, tenemos que sacar del plan de trabajo, los calquis y las recetas fáciles, porque eso nos enseñará con mucha precisión, lo que debemos hacer como dibujantes de buena calidad.

 

Te queremos mostrar en primer plano, como es la parte ósea de nuestras manos.

Ahora veamos cómo será nuestro trabajo de hoy.


Tienen tiempo para trabajar y recuerden que lo pueden hacer, con el lápiz común, con el de carboncillo y que pueden colorearlas con carboncillos y con pasteles.

Sopetrán, Junio 26 del 2016.

Darío Sevillano Álvarez.

Clase número veintisiete del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.

Las proporciones de las manos.

Los grandes escultores de la tierra se han preocupado por hacer unos cánones que ayuden a pintar y a esculpir las manos, pero esa experiencia ha sido un completo fracaso, porque todas las manos de los humanos, no guardan las mismas proporciones y se podría llegar a la conclusión de que no se consiguen dos manos iguales.

Pero hay unas normas que nos pueden servir de derroteros, para llegar a hacer manos  de buena calidad, como aquella que nos dice que la mano se puede hacer en un rectángulo que podemos partir por iguales partes y cuya línea central, va desde la base de la uña del dedo pulgar y que pase por las bases de los dedos anular y central, tal como lo mostramos en el gráfico que hay a continuación.

Pero como la mano, no es una figura, sino un cuerpo, la podemos ver en un corte lateral en la siguiente forma:


Es bueno agregar como se puede concebir el dibujo del dedo pulgar, que tiene una posición muy diferente a los cuatro restantes:

Con estos cánones en mente, podemos dedicarnos a hacer manos, para que logremos concebirlas lo mejor que se pueda.

Lo más importante es hacer muchos ejercicios, para que la práctica nos conduzca al éxito.

Antes de terminar les queremos mostrar una bella expresión de las manos aferradas a un palo de escoba:

Sopetrán, Junio 26 del 2016.

Darío Sevillano Álvarez.
















 
















































































 

 

 


 



 





















































































































No hay comentarios. :

Publicar un comentario