Tercera clase del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Clases de degradados;
El claroscuro.
Insisto en preguntar por los
cuadernos en que toman notas, porque ese es el principal componente del curso,
toda vez que de ellas depende el grado de enseñanza, que Uds. Van a grabar en
sus discos duros. Ahora revisemos las tareas. (Dos).
Recuerden lo que dije en la clase
pasada: “Un agricultor, no puede llegar
al campo de trabajo, sin un machete y un azadón”.
Es importante que se
pongan al día en sus pagos, recuerden que estas son las clases más baratas que
están recibiendo, a lo largo de toda su vida.
Entremos en la teoría para el día de hoy, los degradados se
pueden hacer de varias clases a saber:
Degradados con trazos circulares. Estos se consiguen cuando
Ud. Resbala el lápiz con mucha suavidad sobre el papel haciendo movimientos
circulares, como lo muestra el primer dibujo.
Observe como en las zonas en donde se
deben mostrar las partes claras, el lápiz pasa en forma muy sutil.
Pero también se puede hacer el
degradado en forma horizontal, lo importante es decidir en donde están las
sombras y en donde están las luces, como en el dibujo que sigue:
Pero si la persona decide hacer el
degradado en forma vertical, también es posible como lo muestra la próxima
figura:
El siguiente recorte le enseña mejor
lo de los degradados.
Por esta razón, léalos, analícelos y practíquelos las veces que sean necesarias, porque esta teoría es la base fundamental del dibujo.
Si Ud. Domina estas técnicas, estará
siendo un buen dibujante.
Voy enseñar un truco para darle luz a
cualquier dibujo o pintura que vayamos a hacer: Colocar los objetos en las
posiciones correspondientes y del lado de la luz encender una bombilla que
resalte muy bien lo que queremos hacer.
Ahora hablemos del claro-oscuro: Se conoce con este nombre
al hecho de que en cualquier dibujo o pintura, los claros y los oscuros que se
dibujen o pinten, son los que le dan vida a sus trabajos.
Manet el gran pintor de finales del
siglo XIX decía:
“El
principal personaje de un cuadro, es la luz”.
Para aprender a hacer un buen
claro-oscuro, metámonos de lleno en un buen bodegón de cerezas; este sería el
boceto listo y bien encuadrado:
Para darle vida a estas cerezas, es
necesario aplicar un claro-oscuro y los técnicos de este arte lo llaman:
Cuadro tonal. Este es el cuadro tonal de esta
obra:
En la parte de abajo están las
tonalidades marcadas de uno a diez (Uno es la más clara y diez es la más
oscura; y en la parte de arriba del bodegón les mostramos, cual tono
corresponde a cada punto de él.
El primer repartimiento tonal que
debe aparecer, es parecido a este, con carboncillos muy suavemente aplicados;
fíjense como ninguna de las partes del dibujo, está totalmente oscurecida y
para lograrlo, tuvimos que aplicar el lápiz suavemente y con la parte plana de
su punta, con el fin de no tener que borrar mucho. “Recuerden que el mucho borra, poca dibuja”.
Si observan bien, el color está
totalmente desteñido, para poder proceder a dar las sombras y las luces, que
harán la belleza de la obra. En los degradados, están aplicando las normas que
acabamos de aprender: Horizontales, verticales, circulares y oblicuos, con el
fin de darle a cada parte del dibujo, las características que necesita.
La obra terminada con los debidos
grisados y degradados, podría quedar así, pero es bueno hacerle un marco hecho
a mano, no con el computador, porque eso les sirve de entrenamiento para salir
adelante, con la meta de: “Ser unos
buenos dibujantes”.
Con obras de esta calidad, podemos
hacer más tarde una exposición de los trabajos de cada modalidad del curso.
Hay una herramienta que los grades
del dibujo emplean con mucha frecuencia, porque es la que se encarga de
repartir muy bien el color del carboncillo, las sanguinas y las cretas, en los
grisados de sus obras, a esta herramienta se le conoce con el nombre de: Difumino.
Es importante saber: Que si el papel
que vamos a emplear es granulado o con figurillas en alto relieve como la: Opalina, no se debe emplear el
difumino, porque destruye el alto relieve y acaba con la textura del papel.
Clase número cuatro del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
¿Cómo se hace la
operación de aplicar laminillas doradas?
Con el fin de cambiar la rutina del
dibujo con carboncillos, vamos a enrutar nuestra clase por un tema muy
interesante que se llama: Dorado y
plateado.
Pero antes de entrar en materia,
califiquemos la tarea del bodegoncito de cerezas, que habíamos empezado en la
clase pasada.
El oropel es un material barato que
se encuentra en los comercios de arte, en forma de láminas de 25 cm. por 25 cm.
Pero nos venden cinco láminas; diez
láminas; veinte láminas; o un cuadernillo de 100 hojas.
Cuando uno es dorador profesional,
las puede comprar por cuadernillos, porque resultan más baratas.
Pero si solo las utilizamos de vez en
cuando, se pueden comprar en pequeñas cantidades, para evitar que se oxiden,
porque las láminas del oropel, son fabricadas con cobre estirado.
Para aplicar el oropel necesitamos
las siguientes herramientas:
Un juego de tijeras, que estén bien
cortantes.
Láminas de oropel.
Pegante para hojillas de oropel. A
esta pega se le llama en los comercios: Sisa.
Un pincel plano de fibra común.
Cuando no somos muy expertos para manipular
las laminillas, necesitamos un pincel de pelo o de fibra fina, para manejarlas
a base de electrostática o una polonesa, pelonesa, pelenesa o peine.
Una buena dosis de paciencia.
La técnica para aplicar las
laminillas sean de oropel o de plata, es la siguiente:
Seleccione el objeto
que va a dorar o a platear; si es de cerámica o de madera, lije muy bien con
una lija de agua, es decir: papel de acero muy fino; luego aplique unas manos
de laca piroxilina, teniendo en cuenta dejar secar, muy bien cada mano;
seguidamente aplique una o dos manos del pegante sisa, procurando no dejar
grumos; deje que el pegante se seque por espacio de 20 minutos y por último,
aplique los trozos de laminillas que ha cortado cuidadosamente, valiéndose de
sus dedos o de un pincel plano de fibra fina, por medio de la electrostática;
si lo desea puede colorear las láminas con una pátina del color que quiera
elegir, para envejecerlo.
Experiencias importantes:
Una persona me decía:
¿Por qué las laminillas que aplico, a los dos o tres meses se ponen negras?
La respuesta es muy
sencilla: Porque no protegió el objeto que iba a dorar con unas manos de laca
piroxilina y las laminillas se mancharon, es decir se oxidaron.
Otra persona me
preguntó: ¿Por qué en unas laminillas que le aplique a unas piezas de madera,
se volvieron llenas de manchas de colores tornasolados?
La respuesta fue:
Cuando se aplica
laminillas sobre madera o sobre cerámica, hay que asegurarse de que el material
esté totalmente seco, porque la traspiración de la humedad, genera vapor de
agua y ese vapor oxida el cobre.
Estos objetos fueron dorados con
laminillas de oropel y luego fueron envejecidos con colores distintos, para
darles el acabado con se ven, por el sistema de pátina.
Patinar significa aplicar unas
pinceladas de color debidamente estirado, y luego se levantan algunas partes
con papel tizú.
Para ser un buen dorador, hay que
ejercitarse todos los días y al principio, tener la paciencia de ver como los
trabajos resultan de mala calidad, pero a medida que nuestros ejercicios
aumentan, las obras se van viendo de mejor calidad.
Mientras nuestros objetos secan para aplicar las laminillas, veamos
estos conceptos sobre la luz, que recuerden que es el personaje más importante
de cualquier obra de arte.
La terminología que nosotros empleamos es la misma que utilizan las
universidades en sus clases de diseño gráfico y de artes, por estas razones,
Ud. Las debe memorizar, para que pueda estar a la altura de cualquier
universitario.
Con estos conocimientos sobre la luz,
Ud. Se está capacitando para sacar adelante las obras de arte que le provoquen.
Clase número cinco del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Ejercicio sobre
gradación de lápices en paisajística.
En primer lugar califiquemos las
tareas y recordemos que ya pasó el primer mes de trabajo y algunos no han
pagado las primeras cuatro clases.
Con este ejercicio, le estamos
ofreciendo una oportunidad, para disfrutar de la naturaleza en vivo y para
afianzar sus conocimientos sobre la manera de utilizar los distintos grados, de
coloración de los lápices de grafito.
Este es un reto para repasar las
posibilidades que nos permiten los distintos grados de lápices y de medir la
intensidad de la dirección de los trazos.
Este sería el encuadrado del paisaje
que vamos a dibujar:
Fíjense muy bien, que los árboles no
tienen hojas; que el pasto tiene un tratamiento especial; que las chamizas del
lado lejano, se reflejan en las aguas al igual que la infraestructura de
edificios; y el artista para darle importancia a los árboles que votaron sus
hojas, empleó el papel en forma vertical, para que quedaran en toda su
dimensión.
Estos detalles son los que le dan la
belleza a la obra.
Ahora miremos cómo me quedó la mía
cuando la enmarqué y la coloqué en un papel granulado.
Observen que cómo el paisaje era de
características muy oscuras le lucía mucho un marco de características claras.
Ahora comentemos el documento que les
facilitamos sobre la luz, para ver si lo leyeron.
Clase número seis del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Dibujos con barra de
carboncillo.
Vamos a dar media hora para que
terminen sus paisajes y luego nos vamos a introducir en una maravillosa
experiencia: Los trabajos con barra de carboncillo.
El carboncillo se encuentra en los
comercios, en dos formas: como lápiz y como barras. Las dos formas son buenas
para dibujar, pero con las barras se puede trabajar, de una forma más cómoda y
con los lápices, se tienen algunas limitaciones.
Las barras de carboncillo, se pueden
partir en pequeños pedazos de cinco centímetros, para poderla manejar
fácilmente, pero noten en las ilustraciones como las barras fueron preparadas,
para que presten por lo menos tres servicios: Delgado, ancho y de toda la
extensión, para tener que manejar solo un pedazo; en caso contrario debe tener
varios pedazos y cada uno debe estar preparado para un estilo de trazos.
Los tres servicios de las barras son:
Los ejercicios que les sugerimos para adiestrar sus manos
son unos rayones especiales, para aprender a coger las barras en una forma
adecuada, sin estos ejercicios ustedes estarán a medias para hacer sus dibujos;
las personas que más practican su vuelven expertas en el manejo de las barras.
Para hoy vamos a realizar un dibujo facilísimo, es una mujer
descansando sobre su lecho. Esta obra fue pintada por uno de los grandes
dibujantes de la tierra: T. A. Steinlein.
Observen muy bien como de las partes del rostro solo se ven
algunas: una ceja, parte del ojo derecho, el ojo izquierdo, la nariz y los
labios, todo lo demás son pequeños trazos hechos con la barra de carboncillo.
Clase número siete del curso
teórico-práctico de: Dibujo, pintura y
escultura.
El canon de las
proporciones del rostro.
La altura de la cabeza, el ancho y la
situación de los elementos, como los ojos, las cejas, la nariz, las orejas y
los labios, tienen unas reglas que no fallan en dibujo, pintura y escultura,
que fueron diseñadas por los grandes pintores de otras épocas y si sabemos
aplicar esas proporciones en nuestros dibujos, pinturas y esculturas, estaremos
haciendo obras perfectas.
Miremos por partes esas reglas o
cánones:
El rostro humano, tiene tres medidas
iguales a saber: Desde la punta de la barbilla hasta la base de la nariz; desde
la base de la nariz hasta donde ella termina, (esta línea queda debajo de los
lugares en donde empiezan las partes internas de las cejas); y desde la línea
de las cejas hasta donde empieza a nacer el pelo; el pequeño pedazo de arriba
es en donde se acomoda el pelo.
El ancho de la cabeza es de dos
medidas y media.
Veamos un ejemplo: Es bueno advertir
que partimos el papel en cinco pedazos iguales de media medida, para buscar el
centro, que es en donde está la nariz, el centro de los labios y mitad de la
cara.
En el ejemplo, nos muestra muy claro,
como se aplican estas reglas.
El canon del perfil, debe tener un
ancho de tres medidas y media incluyendo la punta de la nariz y el pelo. Ej.
Este podría ser un ejemplo real de
los cánones del rostro:
En los rostros de los niños, los
cánones cambian un poco, pero de eso hablaremos en otra clase.
Ahora dediquémonos a hacer el primer
ejercicio con barra de carboncillo, pero podemos ayudarnos de los lápices de
carbón y del lápiz blanco con que difuminamos.
Clase número ocho del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Los cánones del cuerpo
humano.
Los grandes escultores de la tierra,
que jugaban con la figura humana, nos dejaron unas enseñanzas en sus obras,
sobre las medidas que debe tener una buena escultura, para considerarla digna
en este precioso arte.
Los tres más fuertes de esta
disciplina, fueron: Policleto, Lisipo y Leocares y cada uno de ellos dio
enseñanzas distintas sobre la forma de esculpir el cuerpo humano, a saber:
Policleto. Lisipo. Leocares.
Al parecer, cada uno trabajo con una
etnia especial, que tenía sus propios rasgos y por esa razón resultaron
diferentes, las medidas de los tres.
Policleto sostenía que el cuerpo
humano era igual a siete medidas y media de la cabeza.
Lisipo decía que nuestro cuerpo era
igual a ocho medidas de la cabeza.
Y Leocares afirmaba que el cuerpo
humano es igual a ocho medidas y media de la cabeza.
Lo importante es que los tres
coinciden en que la mitad de la estatura del cuerpo humano, está situada en el
lugar en donde se ubican los genitales.
Nosotros los latinos, empleamos la
fórmula de Lisipo que es tal vez la más fácil de manejar.
Observemos estas dos esculturas en
las cuales aplicamos las fórmulas de Policleto y de Leocares; la primera se
llama: El Diriforo, también llamado: El canon de Policleto y la segunda es el
Apolo de Belvedere de Leocares.
Ahora miremos el canon de ocho
cabezas como se aplica al cuerpo del hombre:
Luego miremos como se aplican las
ocho cabezas, al cuerpo de la mujer:
De estas ilustraciones podemos
concluir que es un poco más elaborado el cuerpo de la mujer.
Los que hemos manejado estas
disciplinas de tiempo atrás, como Doña Ana María y yo, venimos aprendiendo
algunas cosas que ojalá Ustedes memoricen con mucho empeño como estas:
Los hombros del hombre, se sitúan a
un tercio de la horizontal del primer módulo, por debajo de ella.
Las tetillas del hombre, coinciden
con la horizontal del segundo módulo.
La separación de ambas tetillas es
igual a la medida de un módulo.
El ombligo del hombre, queda un poco
por debajo de la línea del tercer módulo.
Los codos y los puntos de máxima inflexión
de la cintura, se colocan en la horizontal del tercer módulo.
El pubis, se halla en el punto medio
del cuerpo o sea en la horizontal de cuarto módulo.
Las rodillas, quedan algo por encima
del límite inferior del sexto módulo.
El pliegue inferior de los glúteos
(Nalgas), se sitúan aproximadamente a un tercio por debajo de la horizontal que
corresponde al nivel del pubis.
Cuando se mira de perfil el cuerpo
del hombre, la pantorrilla y la curva de las nalgas deben estar en contacto con
la vertical que pasa por el omoplato.
Para el cuerpo femenino, las
diferencias son muy pocas y se pueden resumir en estos detalles:
Por regla general, aunque tiene sus
excepciones, el cuerpo de la mujer es un poco más bajo que el de los hombre
(Unos diez centímetros).
Los hombros de las mujeres, son algo
más estrechos.
Los pezones se sitúan algo por debajo
de la horizontal del segundo módulo.
El ombligo de la damas, es a un nivel
más bajo que el de los hombres.
La cintura de las mujeres, es más
estrecha.
Las caderas o nalgas, son más
amplias.
En las mujeres, cuando el cuerpo es
visto de perfil, las nalgas sobrepasan la línea vertical que pasa por los
omoplatos y la pantorrilla.
Si ustedes están interesados en
aprender a esculpir con toda la seriedad del caso, deben saber estas normas,
como se saben los niños de las escuelas, las tablas de la multiplicación.
Clase número nueve del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Esculpir un tronco
humano de hombre o de mujer.
Cada una de Ustedes, va a elegir cual
tronco desea esculpir, para salvar responsabilidades en el cuerpo del hombre,
solo dejamos un esquema de lo que es el pene, pero cada cual decide como lo va
a hacer.
Como el tronco solo necesita cuatro
módulos, quisimos traer los esquemas completos de ellos, para que les sirvan de
guía a lo largo de proceso de elaboración de la estatuilla, que posiblemente
les podrá servir de pisa papeles en sus escritorios, como muestra de los
trabajos que realizan en sus clases.
En cada módulo, dejamos las
indicaciones suficientes para que apliquen lo que aprendieron en la clase
anterior.
Si aplican todo lo que hay en los
gráficos, sus trabajos quedarán impecables.
En el cuerpo de la mujer, que lógica
mente es más elaborado, les dejamos todas las orientaciones, por delante, por
detrás y de perfil, para que puedan hacer un buen trabajo.
El barro que viene listo en forma de
barbotina, lo pueden trabajar con las manos, porque es un material que no es
peligroso, ni mancha la ropa.
Cuando estén trabajando en sus
talleres, es importante que se coloquen una ropa adecuada a las circunstancias
para estar más cómodas.
Pero si necesitan herramientas para
cualquier pliegue o para darle forma al barro, ponemos a disposición este juego
de espátulas, estecas y fierros de talla, con el fin de que se vayan
familiarizando con ellas.
Clase número diez del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Hacer un dibujo con las
técnicas de las cuadrículas.
Muchas veces en la carrera de dibujante
o de pintor, se le van a presentar algunas dificultades para realizar sus
obras, por la complejidad de ellas o por la precisión que se necesita, para
concebirlas en una forma perfecta.
Ejemplo de estos casos podrían ser:
Dibujar al carboncillo el templo parroquial de Sopetrán; dibujar la cara de
Beethoven y muchas otros más.
Para estos casos vamos a emplear la
técnica de las cuadrículas, que aunque no es una forma perfecta para ser un
buen dibujante, puede ayudarnos a salir adelante.
Esta técnica consiste en cuadricular
la fotografía o la imagen de lo que vamos a dibujar, aplicando las normas
técnicas que hemos aprendido sobre los cánones de rostro humano.
Para el dibujo que vamos a hacer, el
canon de ese rostro es de seis centímetros; lo que equivale a decir que cada
una de las tres partes del canon tiene dos centímetros a saber: (del mentón
hasta la base de la nariz; de la base de la nariz, hasta la base de las cejas;
y de la base de las cejas, hasta el lugar en donde empieza a nacer el pelo).
Pero si recordemos que vamos a
trabajar con dos módulos, es decir: El rostro y el módulo que va hasta donde
empiezan los pezones, necesitaríamos doce centímetros para los dos módulos y
tendríamos que aumentar un pedazo encima de la parte donde nace el pelo, para
poder acomodar, los intríngulis del cabello.
Recordemos, que el cuerpo humano
tiene de ancho dos módulos o cánones, necesitaríamos también doce centímetros
para acomodar en buena forma la región de los hombros y el ancho del busto.
Veamos eso en un gráfico:
Esta es una copia de la Mujer de la
perla que está en el museo de Louvre en París, que fue pintada por Jean
Baptiste Corot.
Nuestra técnica consistiría en trazar
en el papel en donde vamos a dibujar, unas cuadrículas más grades para que el
dibujo cope la hoja y podría quedar así:
Las líneas rojas ejecutadas con
sanguina, son una guía para poder recuadricular las partes más difíciles, como
los ojos, la nariz y los labios. Observen como en el lateral izquierdo le tuve
que agregar un poco al dibujo, para lograr los dos módulos del ancho.
Esta técnica consiste en hacer
cuadrículas más pequeñas en los lugares difíciles, para lograr una absoluta
perfección.
En este dibujo, vamos a introducir
una nueva herramienta de trabajo: Las cretas o pasteles para darle color a
nuestra obra.
Las cretas o pasteles son unas tizas
parecidas a las que utilizan los maestros, cuando van a trabajar en el tablero.
Estas dos muestras de cretas les
pueden dar una idea de cómo se consiguen en el comercio. Las hay redondas, las
hay cuadradas, las hay forradas en un papel especial y también se encuentran en
forma de lápices.
Ahora veamos cómo puede quedar de bien cuadriculada, la hoja de papel en
donde vamos a dibujar la mujer de la perla.
Recuerden si la quisiéramos más pequeña
que la muestra, las cuadrículas deben ser reducidas; pero si la queremos más
grande que la muestra, las cuadrículas deben ser aumentadas.
Con esta guía de cuadrículas y
recuadrículas, cualquiera puede hacer un dibujo perfecto de la mujer de la
perla. Las cuadrículas están con líneas negras; las recuadrículas para hacer
los ojos, la nariz y los labios, están con líneas rojas, para que aprendan a
distinguirlos.
Las dos flechitas del lado de abajo
indican la forma como se debe colocar el papel, para dibujar en él.
Recuerde que las cuadrículas y
recuadrículas se hacen en forma muy sutil (Con pereza), para poderlas borrar
con la goma después de tener el trabajo listo.
Con las cuadrículas, el dibujo queda
así:
Pero cuando las cuadrículas se borran
debe quedar así:
Clase número once del curso
teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Dibujar una cara de
perfil, mirando hacia la izquierda.
Dibujar caras de perfil, es una de
las maravillas que se hacen en el arte del dibujo y para lograrlo hay que hacer
muchos ejercicios dibujando todo tipo de rostros; recuerden mientras más nos
ejercitemos en este tema, mejores expertos resultamos en estos menesteres.
Los perfiles mirando hacia la
izquierda son un poco más difíciles que los de mirada hacia la derecha, para
las personas que son diestras; pero para los que son siniestros, es el mejor de
los placeres y viceversa.
Andrea de Sarto, una buena Florentina
del siglo XV, pintó una cabeza de un hombre mayor, con la técnica de
carboncillo, que la exhiben en la galería Degli Úffizi de Florencia; yo la
recompuse, le agregué unos trazos al pastel y mostré en ella la técnica de los
cánones del rostro de perfil, que estudiamos en la clase número siete, para que Ustedes la pueden dibujar.
Les recuerdo esos cánones:
El canon del perfil, debe tener un
ancho de tres medidas y media incluyendo la punta de la nariz y el pelo.
En la siguiente figura, ustedes verán
el rostro del hombre mayor con las adaptaciones que le hice, para que puedan
trabajar fácilmente esta nueva técnica.
Este es el perfil izquierdo que vamos
a pintar en el día de hoy; las líneas con color rojo, no hacen parte del canon
de la cara de perfil; se las adicioné, para montar el cabello del anciano, que
a pesar de sus años, no ha perdido la belleza de sus caireles y para mostrar
las recuadrículas de los ojos, la nariz y los labios, que son las partes a las
cuales les debemos poner todo el esmero, para que el retrato se parezca al
anciano.
El papel que van a cuadricular, debe
tener ocho cuadrículas de largo y seis y media de ancho; recuerden que deben
ser de la misma medida por el largo y por el ancho, porque en caso contrario,
la imagen que aparecerá, estará desfigurada.
El papel para hacer este dibujo,
podría cuadricularse así:
La numeración viene de abajo para
arriba y de izquierda hacia derecha, para poder colocar en ella, el perfil
izquierdo que queremos dibujar.
Vamos a utilizar la técnica de trazos
sueltos y trazos cruzados que consiste en sacarle buena punta a la barra de
carboncillo y hacer unas veces trazos sueltos y en forma de pequeñas curvas y
otras veces hacer unas especies de eses, con el fin de mostrar que los cabellos
del anciano, son semiensortijados, es decir cachumbos, como les decimos los
antioqueños.
Si se nos va la mano con el uso de la
barra de carboncillo, podemos hacer puntos claros, para realizar nuevos trazos
con la goma de borrar.
Al aparecer la figura es bueno borrar
los trazos de las cuadrículas y los números, cuando veamos que el dibujo está
casi listo, le aplicamos el color de la piel, con una creta o pastel de color
carne, sin cometer el error de sobar el dibujo de un lado para otro, porque
cuando nos devolvemos borramos la creta que está adherida.
Por último, le aplicamos la laca
protectora.
No olviden que las líneas en color
rojo, son las recuadrículas para las partes más importantes y unas líneas
adicionales que tiene en la parte en donde vamos a colocar el pelo.
El dibujo terminado podría quedar
así:
Clase número
doce del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
¿Cuál es la mejor técnica para hacer una
pequeña escultura?
Hoy vamos a ver
paso a paso, una manera práctica, sencilla y muy segura para hacer pequeños
trabajos de escultura; también dedicaremos un espacio de la clase a la
corrección final de nuestra primera muestra de escultura y al final vamos a dar
una mirada rápida, al proceso de cómo llegamos a la imagen de Nuestra Señora de
Sopetrán, porque los vimos muy interesados en esa preciosa disciplina.
Los grandes
escultores de la tierra, como Miguel Ángel, Leonardo D’Vinci y otros, cuando
iban a hacer una escultura, tomaban un pedazo grande de mármol, del tamaño de
lo que querían realizar y en ese tronco del material, empezaban a esculpir, con
la ayuda de un cincel y un martillo.
Con la
tecnología moderna, el cincel y el martillo, fueron cambiados por un martillo
especial llamado: Martillo neumático, que funciona mecánicamente, igual que las
retroscabadoras, que trabaja con aire comprimido y este aparato hace más fácil
la labor de los escultores.
Pero como
nosotros estamos empezando a conocer esta hermosa forma de entretener el
tiempo, no necesitamos esas herramientas tan sofisticadas, porque lo que
hacemos, lo tenemos como una disciplina para mejorar el manejo de nuestro
tiempo libre.
Ahora veamos la
fórmula mágica para poder hacer en forma sencilla una pequeña escultura:
Tomemos como
ejemplo la que realizamos en una de nuestras clases pasadas: Un tronco de
hombre o de mujer, sin la cabeza, en el que vamos a trabajar cuatro de los
cánones, en que se divide una buena escultura humana.
Si tenemos como
canon, que la fotografía o dibujo de la persona que vamos a esculpir, son tres
centímetros, nuestra escultura va a medir: tres por cuatro, igual doce
centímetros; pero igual operación haríamos si el canon fuera de cuatro
centímetros, porque diríamos cuatro por cuatro, igual diez y seis centímetros.
Cuando yo estaba
muy niño, mi casa era muy cercana de la casa del gran escultor sopetranero: Don
Alfonso Goéz y tuve la fortuna de ser el paje de esa familia; y él me decía:
Vea Darío, cuando vamos a hacer esculturas muy grades, el mejor método para
logarlo, es hacerlas por partes y cuando se llevan al lugar en donde van a
quedar, las armamos cuidadosamente y disimulamos las costuras de las partes,
para que se crea, que las esculpimos en una sola pieza.
Un ejemplo de
esa norma, es la Virgen de las misericordias del Llano que la llevaron hasta el
monumento en cuatro pedazos y fueron montando cada uno de ellos, hasta lograr
la imagen perfecta.
Por estas
razones, creo que para realizar una pequeña escultura del troco humano, es
necesario hacer cuatro módulos de barro, con las debidas normas de los cánones
de largo, de ancho y de profundidad y trabajar cada módulo por separado y al
final los unimos buscando correspondencia de cada uno de ellos con los demás.
Pero como en
estas clases es diciendo y haciendo, aquí están los cuatro pedazos de barro con
los cánones de ancho del cuerpo humano, largo de cada módulo y el ancho de
perfil.
Empecemos por la parte alta y recuerden que el cuello es de una dimensión parecida a la de la pierna, de una persona que no sea muy flaca, ni muy gorda; también debemos tener en cuenta, que los hombros se deben colocar a un tercio del canon del ancho, porque si los empezamos muy altos, la persona quedaría, como si los estuviera encogiendo; es importante en esta parte, colocar las clavículas, por delante, los omoplatos por detrás y las debidas hendiduras de la columna vertebral en la parte trasera y la pequeña hendidura del esternón por delante; en este canon hay que hacer los principios de los brazos y las cavidades de las axilas.
En el segundo
segmento, la situación de los pezones, es de suma importancia: Si son de hombre
deben ser más pequeños de tamaño, pero recuerden que algunos hombres los tienen
muy bien conformados; si son de mujer, personalmente me gustan paraditos,
porque cuando están muy descolgados, le estarían restando belleza, al cuerpo
femenino; en esta parte del cuerpo, hay que darle mucha importancia al pequeño
embudo invertido, con que se va a formar la cintura, pues si es de mujer, es
más estilizada, que la de los hombres; pero si es de hombre, tiende a ser un
poco más amplia; también es importante aquí, continuar con la pequeña hendidura
del esternón y con las dos entrantes que muestran las falsas costillas, que
lógicamente son más visibles en los hombres, que en las mujeres; y también es
de suma importancia resaltar la curvatura que hace la columna vertebral, en la
parte trasera del cuerpo, con su respectiva hendidura.
En la tercera
parte, es importante situar el ombligo y tratar de que se vea como tal,
recuerden que se sitúa un poco más abajo del principio del canon y que el de
las mujeres, es más bajo, que el de los hombres, por aquello de su aparato
reproductor; aquí es donde hace falta la malicia de la experiencia, para hacer
la pequeña curvatura del lado delantero, a la que llamamos el vientre, en la
cual está situado el ombligo; en la parte baja del canon, se delinean las ingles o hendiduras del final
del tronco y se sitúa, el genital, que si es de hombre, consiste en el pene y
el escroto y si es de dama, es una pequeña elevación, al finalizar el tronco;
por la parte trasera de este canon, tenemos que hacer los glúteos que si son de
hombre, solo tocan la vertical que va desde los omoplatos, hasta las
pantorrillas y si son de mujer, se salen de la vertical, más o menos en un
tercio del canon; pero recordemos que la hendidura de los glúteos, es la que
hace la belleza del trasero, en cualquier cuerpo de humano; y como punto final,
es de mucha importancia hacer las dos pequeñas hendiduras que definen el final
de los glúteos.
El cuarto
pedazo, es muy importante, porque nos muestra la estatura que tiene el cuerpo
que estamos esculpiendo y por esa razón, no lo podemos recortar, pues estaría
mostrando una persona defectuosa en su estatura; hay que darle mucha
importancia a la situación de las piernas, para que la persona no vaya a
mostrar que es patitorcido, chapinete o con los pies arqueados (cazcorvo),
porque lo dejaron caminar mucho, cuando sus piernas no estaban en condiciones
de hacerlo.
Ahora procedamos
a pulir las estatuillas que hicimos en una clase pasada y cada uno vea que le
puede corregir.
Luego
apliquémosles una mano de estuco acrílico, para que les demos una mejor
presentación.
Por último,
veamos el proceso que Doña Ana y los que le hemos colaborado en la esculpida de
la imagen de nuestra Señora de Sopetrán, hemos tenido que hacer a lo largo del
tiempo.
El primer paso
es esculpir la imagen con barro.
La única lástima
es no poderles mostrar la imagen de barro que Doña Ana Esculpió, porque el que
sacó el primer molde, no era un personaje muy experto y la volvió pedazos.
Cuando la imagen
está bien concebida y tiene todas las correcciones del caso, se deja secar y a
esa imagen se le aplica vaselina o agua jabonosa, para empezar a sacar el
molde; este se hace con silicona de cualquier color o con látex de caucho
(árbol que segrega una sustancia pegajosa, parecida a la leche), dependiendo de
la dificultad que tenga el molde, se hace de dos caras o de varias formas para
cada pedazo de la imagen; cuando se aplica la silicona, debemos tener las manos
y sobre todo los dedos muy bien untados de agua jabonosa, para que la silicona,
no se adhiera a ellos y se pierda; cuando la silicona ha secado, a esas partes
se les hace un contramolde, con yeso o con fibra de vidrio, para estabilizarlo,
cuando se va a vaciar el yeso o la fibra de vidrio; después de una hora de
secamiento, procedemos a sacar con mucha paciencia y con mucho cuidado el
molde, para que no se rompa y en ese molde empezamos a vaciar imágenes en serie
de nuestra muestra.
Clase número
trece del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Los elementos faciales.
La forma de los
ojos.
Los ojos se
parecen a una esfera, a la cual le hemos añadido un casquete, también esférico,
al que llamamos: Cristalino.
Podemos imaginar
una esfera, con su casquete vista de frente:
Ahora miremos
esa esfera desde cuatro posiciones diferentes, sin el casquete:
Inmediatamente
nos damos cuenta, que el iris, cambia la forma de acuerdo con la posición.
Pero si le
agregamos el casquete, también nos está mostrando, que aunque la esfera es la
misma, el punto negro, correspondiente al iris del ojo, toma formas diferente:
Si estuviésemos
pintando un ojo, el dibujo gráficamente, podría resultar así.
Pero como los
ojos, van acompañados de las pestañas, la forma de dibujarlas más
acertadamente, sería esta:
Observen como a
la posición de ojos de frente, no le coloqué pestaña, porque para esos casos se
acostumbra, delinearlas con un color oscuro.
Pero otro de los
accesorios importantes de los ojos, son las cejas, que a veces son más tupidas
que otras y eso lo impone la biofísica, para poder defender los ojos de cada
uno, de acuerdo con el color del iris (azul, verde, claro, oscuro, café, color
miel o negro) del exceso de luz solar:
Pero la posición
del iris y las pestañas, cambian totalmente, de acuerdo con la posición en que
la persona esté mirando:
Es bueno
contarles que el ojo se abre y se cierra, gracias a los movimientos del párpado
superior, que es el que se resbala suavemente sobre la esfera ocular, pues el párpado
inferior, no sabe hacer estos movimientos: Por esta razón la línea que en los
dibujos muestra el párpado superior, es una curva bien definida; en cambio la
del párpado inferior es casi horizontal en fase con el lacrimal.
Los ojos no
tienen una simetría bilateral.
Como punto
final, es bueno decir que como los párpados son una tela gruesa, en cualquier
dibujo, se deben ver los pliegues de ellos.
Clase número
catorce del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.
Aplicación de los elementos faciales ya conocidos.
Para la clase de
hoy, vamos a hacer una aplicación de la primera parte de los elementos faciales
y para ello hemos escogido un retrato muy famoso, hecho a lápiz por: Francecs Serra,
si escogimos esta obra, es por la facilidad y la destreza, conque el artista
coloca los elementos faciales, que son los que definen si un retrato es de
buena calidad o no.
Observen la
maestría con que estas manos pintan los elementos faciales:
Miren como las
cejas no son iguales y en las cavidades oculares, hay luces y sombras.
Las cavidades
oculares, muestran unos trazos perfectos, para poder colocar los ojos, con una
mirada de soslayo, que es de advertir: no es la forma más fácil para pintar
unos ojos; con cualquier despiste que tengamos, el retrato mostraría una mujer
bizca.
La nariz,
colocada en un pequeño giro hacia la izquierda, está muy bien concebida y
parece que la colocación es intencional, para que produzca una pequeña sombra.
Los labios, son
bonitos y muy bien definidos; inmediatamente producen ganas de besarlos.
La forma de la
cara no es una esfera, como muchos suponen que son las caras; sino un ovoide.
Debajo del
mentón, alcanzamos a ver el giro que hicieron los músculos esterno, cleido,
mastoideos y sobre el cuello, proyectó una sombra, bien aplicada que muestra el
dominio del claro-oscuro, que indica la pericia del artista y su buena
experiencia.
En la parte que
alcanzamos a ver de su vestido, hay unas sombras y luces, muy adecuadas a la
usanza de esa época y todas son realizadas con el lápiz.
En el pelo, dejó
unos claros y los oscuros los aplicó con barras de carboncillo o con lápices de
una buena gama de blandos.
En el lateral
derecho del pelo, dejó ver que la persona que está retratando, es de cabello
ensortijado, es decir con cachumbos; y en el lateral izquierdo deja ver unas
sombras un poco traslúcidas, para mostrar que a su retrato le está llegando la
luz, por la parte derecha del rostro.
Después de este
cuidadoso análisis, miremos el retrato cuadriculado; cada una de ellas, de
igual número de centímetros de lado y están numeradas de arriba hacia abajo,
para que aprendan a manejar los dos sistemas:
El paso
siguiente es aplicar todas las técnicas que el pintor utilizó, para que podamos
llegar un día, a la perfección, en la ciencia de hacer retratos.
Les vamos a
entregar una hoja de opalina piel de ángel, para que ejecuten ese retrato. Nos
gustaría, que solo empleen: El lápiz y la barra de carboncillo.
El paso
siguiente es aplicar todas las técnicas que el pintor utilizó, para que podamos
llegar un día, a la perfección, en la ciencia de hacer retratos.
Les vamos a
entregar una hoja de opalina piel de ángel, para que ejecuten ese retrato. Nos
gustaría, que solo empleen: El lápiz y la barra de carboncillo.
El retrato
terminado les puede quedar así:
Clase número
quince del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.
Los elementos faciales, segunda parte.
Los elementos
faciales son: Los ojos, la nariz, los labios y las orejas; estos elementos son
los que hacen la belleza de un rostro y si los manejamos con una buena
experiencia, podemos llegar a ser buenos retratistas.
Hoy dedicaremos
nuestro tiempo al estudio de los ojos, que son los que más expresión le dan al
rostro, porque cuando los colocamos, el dibujo que estamos haciendo, empieza a
tomar forma.
Cuando a un
rostro le faltan los ojos, no podemos saber a qué persona corresponde.
Pero trabajar
este tema, sin unos gráficos, me parece que no alcanzaríamos a entender la
importancia de cada elemento facial.
En esta forma
empezaríamos a bocetar un ojo.
Con un lápiz,
ojalá blando, estamos situando la ceja, que cierra por el lado de encima la
cavidad del ojo, para poder trabajar con absoluta seguridad.
Continuamos el
proceso, tratando de concretar los contornos del ojo; en este paso estamos
rectificando lo que hicimos en el primer paso y dejamos listo el ojo, para que
reciba los efectos del claro-oscuro; observen como modificamos la abertura del
párpado y definimos muy bien la curvatura hacia abajo.
En este paso,
empezamos a trabajar los relieves y oscurecemos los pliegues de los párpados y
hemos oscurecido la cavidad izquierda de la zona ocular, cuyo punto más
profundo corresponde al lacrimal, también hemos entonado un poco el iris o
parte redonda del ojo.
Hemos terminado
de hacer un ojo derecho, pero analicemos algunas cosas:
Hay en el ojo
una sombra interior, proyectada por el párpado superior y las pestañas.
Como el ojo es
una figura esférica, en sus laterales hay unas pequeñas sombras.
Dejamos
plenamente identificados los párpados.
El brillo del
ojo lo está determinando el punto blanco, situado en el borde de la pupila.
Es importante
decir que esta iluminación que hicimos, corresponde a una forma de recibir la
luz normal, pero para cada caso, de pintar distintas formas de ojos, existen
otro tipo de valoraciones de las sombras y las luces.
Ahora miremos
este gráfico, para que puedan comprender por qué los ojos siempre giran en el
mismo sentido, para que no queden bizcoretos.
Cuando Ustedes
sean capaces de hacer los trazos que hay en este gráfico, pueden estar seguros
de que saben hacer cualquier posición de los ojos.
A lo largo de su
vida de artistas se les presentarán formas distintas de colocar los ojos de una
cara, hagan el ejercicio de las dos esferas con el iris y las pupilas, montadas
en el mismo eje y esto les enseñará en forma segura, como deben posicionar las
partes internas del ojo.
Clase número diez y seis del curso teórico práctico de dibujo, pintura y
escultura.
Los elementos faciales tercera parte.
Los
conocimientos de los cánones del rostro, que tenemos de clases anteriores,
(clase número siete), nos permiten estructurar una cabeza humana, real o
imaginaria, correcta en sus proporciones y con la distribución exacta de todos sus elementos faciales, bien colocados (Ojos,
nariz, labios orejas y cejas).
Pero el reto más
importante que debemos tener de ahora en adelante, será hacer nuestro propio
retrato, apoyándonos en los conocimientos que ya tenemos y con la valiosa
colaboración de un espejo.
Con la
experiencia que Doña Ana y Yo tenemos, les podemos enseñar los siguientes
trucos o malicias:
La altura de las
orejas es de un módulo, recuerden que un módulo es la medida que hay entre la
barbilla y la base de la nariz, o entre la base de la nariz y en principio de
las cejas, o entre el final de la nariz y el lugar en donde empieza a nacer el
pelo, en la frente.
La distancia que
separa las cejas, del centro de los ojos es la cuarta parte de un módulo.
Si dividimos por
dos la distancia, entre la barbilla y la base de la nariz, de un módulo del
rostro, obtenemos la línea que sirve de base al labio inferior.
Es importante
decir que las cabezas normales, a veces difieren en pequeñas cantidades de
milímetros, estas normas, pero hay ciertas proporciones que nunca cambian: La
distancia entre los ojos, es siempre la de un ojo, (pero cuando digo ojo, no
estoy incluyendo la parte de los párpados que lo enmarcan).
La altura de una
cara, siempre tiene los tres módulos y casi siempre son exactos.
La altura de las
orejas y la nariz, en un noventa y cinco por ciento de los humanos, es
equivalente a un módulo.
Para terminar el
estudio de los ojos, que tal vez son los elementos más difíciles para pintar
del rostro, miremos estas cinco formas de dirigir la mirada:
Es bueno que
Uds. Se ejerciten en estas formas de mirar, haciendo estudios de ellas en sus
cuadernos de trabajos, para que nunca los cojan cansados, en los retratos
profesionales que van a hacer, a lo largo de sus vidas.
Ahora miremos un
gráfico de los otros elementos faciales, para que Uds. Se dediquen a dibujar,
sus facciones y después puedan dibujar las de algunos de sus compañeros de
trabajo.
De los
ejercicios que Uds. hagan con los elementos faciales, dependerá la pericia de
buenos retratistas que saquemos de este curso.
Clase número
diez y siete del curso teórico práctico de dibujo, pintura y escultura.
Las medidas perfectas en el rostro.
Para información
de todos nuestros alumnos, Doña Ana y yo, traemos a cuento el concurso anual
que se hace del rostro más perfecto de la tierra y en el último evento resultó
favorecida la británica: Florence
Colgate, con unas medidas que hasta los mejores escultores, no conocíamos.
“La británica Florence Colgate cumple
con los requisitos necesarios para ser considerada una mujer perfectamente
hermosa.
La
distancia entre sus orejas es exactamente el doble del trecho que separa a una
de sus pupilas de la otra. Además, la distancia que hay de sus ojos a su boca
equivale a una tercera parte de la que separa su barbilla de la línea donde
comienza su cabello, arriba de la frente. Ambas proporciones coinciden con la
belleza perfecta que los científicos obtuvieron tras correlacionar múltiples
variables.
Carmen Lefevre, investigadora del Perception Lab de la University of St Andrews
School of Psychology, explica la perfección de esta mujer:
Florence tiene todas las señas de la belleza clásica. Tiene ojos grandes,
pómulos salidos, labios rellenos, y tez clara. La simetría parece ser un
elemento muy importante para definir a alguien atractivo”.
Ahora veamos si somos capaces de cuadricular una opalina y de hacer un intento de retrato.
Les vamos a
suministrar un retrato de Florence, debidamente cuadriculado y Uds. Van a
cuadricular la opalina.
Queremos saber: ¿Cómo
cuadriculan nuestros alumnos? Porque de esa habilidad dependen los retratos
interesantes que puedan hacer.
Clase número diez y ocho del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
La paisajística.
Esta es la parte
tal vez más anhelada por cualquier estudiante de artes plásticas, porque en
ella, los humanos encontramos la forma de dar rienda suelta a nuestros deseos
respecto a la pintura; es aquí en donde todos ustedes van a centrar sus
aspiraciones, para mostrarnos a Doña Ana y a Mí, toda la fortaleza de sus
habilidades y destrezas en el dibujo, que hemos practicado por espacio de seis
meses.
Esta es una
recreación del viejo camino real que conducía de Belmira a Horizontes; en esta
composición, la línea del horizonte, quedó un poco más abajo del centro del
espacio que tengo para pintar, porque le quería dar importancia al cielo de una
mañana poco soleada; la sombra del techo
del rancho de iraca, se ve con mucha precisión sobre la parte alta de la puerta
y las ventanas.
También en bueno
mostrar la forma perspectiva en que están situados los pinos, porque a mayor
lejanía, menor altura del árbol
Como el sol está
parqueado en el lateral derecho, parte alta del paisaje, hay que tener el
cuidado de proyectar las sombras de los pinos, en una forma contraria.
Es de suma
importancia, darle distintos colores verdes a las montañas, para diferenciar
las clases de vegetación y la iluminación que el sol les da.
En este caso, la
línea del horizonte, está casi en la mitad del espacio, porque necesita, en
ambas partes lugares adecuados para los potreros y los saltos y la parte alta,
para destacar las montañas y el esplendor de cielo.
El camino y las
cercas de los potreros, se van desvaneciendo, a medida que se alejan de nuestra
vista, para buscar el efecto de lejanía.
El agua, como es
de un nacimiento cercano, todavía conserva un hermoso color, porque si
estuviéramos pintando el río Cauca, sus aguas son de un color parecido al barro
y a las arenas que arrastran.
Con mucha
malicia hay que saber hacer el cielo, para que las figuras especiales del
paisaje, se puedan ver nítidamente.
En este paisaje,
la línea del horizonte, está por mitades, para dejar ver el lago y las montañas
y el cielo.
Si el cielo
hubiera sido pintado azul, el paisaje hubiera perdido su gracia, porque como
hay tanto color verde y tanto azul, había que recurrir al recurso de un tono cálido,
como el naranja de los arreboles, para darle vida a las montañas y separar muy bien
el cielo y la tierra.
En la
perspectiva de lago, las tres barcarolas, se ven de distintos tamaños, a pesar
de que son casi iguales, para conseguir el efecto de lejanía.
La entrada hasta
el embarcadero, para mostrar la distancia, se hizo en forma curva y con la
concepción de una perspectiva.
La pequeña cerca
que tiene la casita, al lado derecho, también tiene el efecto de perspectiva.
Los rayos
solares, que se cuelan por algunos claros de la nube que genera el arrebol,
salen delgados, pero a medida que se alejan, hay que ampliarlos, para mostrar
la perspectiva.
En este paisaje,
la línea del horizonte quedó bajita, porque necesitábamos destacar la altura de
las palmeras y la belleza de los farallones.
Para destacar
las formas de los farallones, cuando concebimos el cielo, tuvimos que apelar al
recurso de unos cúmulos de nieve, para que los picos resalten en forma
elegante.
El follaje de
las palmas, había que diseñarlo de una forma especial, para que no taparan la
belleza de los picos de los farallones.
Cuando el oleaje, entra en la ensenada, por la placidez del lugar, las olas se distribuyen suavemente y hacen unas hermosas ondulaciones.
En los paisajes,
ninguna figura debe tapar a las que están más lejanas, para que todas conserven
su rango.
En la clase
siguiente les estaremos enseñando las clases de colores que existen para hacer
los paisajes y la manera como se distribuyen, si son cretas, acrílicos, óleos,
guachas, tintillas u otros materiales.
Ahora les
presento este hermoso y fácil paisaje para que lo realicen como tarea.
Las
orientaciones, antes de empezar a pintarlo,
son las siguientes:
Lo primero que
van a hacer, es encuadrarlo, es decir colocar un bosquejo de cada elemento en
el lugar que les corresponde, para que el aspecto general del boceto, se vea
parecido a la muestra.
La línea del
horizonte, va a estar muy caída, porque necesitamos espacio, para mostrar la belleza del rancho y las formas de los
árboles.
Los árboles no
fueron concebidos con sus hojas, sino con un parecido a ramas y observen muy
bien que el cielo fue concebido, para que los árboles muestren todo su
esplendor.
El efecto de
lejanía, se deja ver entre el rancho y la cerca, en donde posiblemente hay una
bella llanura.
La cerca son
unos tacos de madera o guadua, colocados rústicamente y por detrás de ellos,
hay unos arbustos.
La pequeña
acequia que pasa por el patio del rancho, imita la belleza del cielo y nos
muestra un efecto de profundidad, cuando el pintor proyecta las sombras de las
pequeñas malezas, que nacen en su rededor.
Las tejas del
rancho, están bien colocadas y en algunos lugares, muestran las sombras de los
efectos solares y un envejecido natural.
Las dos aves de
corral son casi esquemas de aves y muy fáciles de pintar.
Clase número diez y nueve del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
La perspectiva una de las mejores disciplina de los estudiantes de
plástica.
Hoy vamos a
continuar con el tema de perspectiva que empezó Doña Ana María, en el pasado
taller del día 12 de marzo, en las instalaciones de su finca: El Edén.
El estudio de la
perspectiva es uno de los temas más apasionantes y requiere de mucho
compromiso, para poderlo asimilar y saberlo aplicar en nuestras obras de arte.
Este estudio, no es un tema que se pueda tratar a las carreras y nos atrevemos
a pensar, que los profesores responsables de artes plásticas, le tienen que
dedicar mucho tiempo; tener mucha paciencia para que sus alumnos lo asimilen; y
el alumnado se debe preocupar por entender las normas que lo regulan.
Para lograr
hacer este paisaje urbano, se necesitan tres puntos de fuga, para que la
perspectiva aérea logre impresionar a los que van a ver la obra.
Este ejemplo, un poco más sencillo, nos está mostrando, como se puede hacer un pequeño edificio en perspectiva; observen como solo hay dos puntos de fuga.
Ahora miremos la
forma en que se puede hacer un paisaje campestre, con un solo punto interno de
fuga.
Lo primero que
debemos hacer, es encajar bien cada parte de la obra y ordenar todo el
contexto, para que cada elemento quede en el lugar que le corresponde.
Cuando los
trazos están en estas condiciones, se puede hacer la primera valoración de cada
uno de los elementos y los resultados serían:
Para finalizar
por hoy, vamos a dar respuesta a una pregunta que nos formuló uno de los alumnos
a Doña Ana María y a Mí: ¿Cómo se hace una perspectiva del interior de un
edificio?
La respuesta
casi siempre, es apelar a un gráfico de geometría Plana, en la siguiente forma:
Lo primero que
hago es colocar dos líneas diagonales, que van a encontrarse en un punto; entre
esas dos diagonales trazo lo que puede ser el primer arco y le trazo a ese
espacio, sus dos medianas; luego por el punto por donde se cruzaron las
medianas, trazo una línea, que también va a encontrase en el punto de las
diagonales.
Después trazo
una línea oblicua desde el punto de partida alto que pase por la línea mediana
y el lugar en donde se encuentra con la oblicua que va para el punto de fuga,
será el espacio para el segundo arco y así sucesivamente; para encontrar las
medidas del lado de arriba se hace la operación a la inversa, como lo indica el
siguiente gráfico.
Esta misma
operación se hace con la parte de arriba, para encontrar los puntos exactos en
donde ira cada arco, pero esta operación no es necesaria porque la línea media
y las medidas que resultan en la de abajo le indican con toda seguridad cada
espacio.
Este es el
diseño completa de la perspectiva de un interior:
Para volverse
expertos en esta disciplina, ustedes tienen que hacer muchos ejercicios de cuenta
propia, con el fin de adaptarse a cualquier tipo de circunstancia.
Recuerden que
cada edificio es un caso distinto en donde la geometría plana y la del espacio,
nos irán orientando para salir adelante.
Clase número veinte del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y
escultura.
¿Qué es una naturaleza muerta?
Cuando una
persona es aficionada a dibujar y pintar, en su entorno, encuentra una serie de
objetos y cosas para representar en sus obras, que los podemos clasificar en
cuatro grandes grupos:
Los paisajes:
Marinos, rurales y urbanos.
Los animales o
las plantas en su medio.
Los retratos de
las personas o los animales.
Y los bodegones.
Pero: ¿Qué es un bodegón?
Es una pintura o
un dibujo, en el que se representan: Alimentos; recipientes y utensilios
domésticos de cualquier índole; prendas de vestir como zapatos y todo aquello
que la imaginación humana diseña, para adornar sus pinturas y dibujos, con el
fin de causar la mayor sensación de belleza a nivel de la plástica.
Los grandes
maestros de las artes plásticas, han acordado en nominar a ciertos bodegones,
que están compuestos por seres inanimados: Naturaleza
muerta, talvez, porque son seres sin vida; pero en la actualidad se
consiguen en el mercado de la plástica algunos bodegones de naturaleza muerta,
con elementos vivos como las frutas o las flores y a estas obras les decimos en
el argot de la pintura: Bodegones mixtos,
porque están compuestos de seres inanimados y seres con vida.
Pero a veces,
las personas que manejamos estas artes, colocamos a nuestros alumnos, algunos
modelos de bodegones o naturalezas muertas, con unas formas bien definidas,
para que aprendan a pintarlas, partiendo de figuras geométricas, como en el
caso que mostramos a continuación:
Observen el
modelo en blanco y negro, con las formas geométricas incorporadas, para poder
trabajar con algún grado de exactitud.
Circunferencia,
cilindro, pirámide, cono y cono truncado.
Esperamos que ustedes
van a practicar en sus casas de muchas maneras y traten de realizar los
ejemplos que les presentamos, para que
se especialicen en un arte muy productivo, cual es el de hacer bodegones,
porque todas las personas los compran para decorar sus comedores y los espacios
importantes de sus hogares.
A continuación
les mostramos fotografías de grandes bodegones:
Clase número veintiuno del curso teórico práctico de dibujo, pintura y
escultura.
Pintar un bodegón con cretas o pasteles de colores.
Hoy escogimos un
bodegón muy hermoso de: Jos van Riswick, que lo podemos bosquejar con las
técnicas que aprendimos en la clase anterior.
Para pintarlo
podemos emplear papel canson o en su defecto Opalina texturizada.
Para comenzar
tracemos un dibujo en líneas sencillas, sin sombras y muy suaves, para no
manchar el papel, tratando de no hacer trazos innecesarios, con el fin de no
tener que utilizar muchas veces la goma de borrar.
Para ejecutar
este dibujo, nos podemos valer de formas geométricas, como lo hicimos en la
clase anterior.
Terminada esta
primera fase, borramos las líneas de tanteo y las que nos sirvieron para
encajar el dibujo.
Acto seguido,
puedo aplicar color sepia, porque es un color que me sirve de fondo, para que
mi bodegón luzca lo más elegante que se pueda
A continuación,
con cretas blanca y amarilla, resaltamos las partes que van a estar más
iluminadas.
Recuerden que
los colores que nos dan los pasteles, no se deben tocar con las manos o con los
dedos, para que no los vayamos a borrar.
Seguidamente con
una creta negra, creo una atmósfera de fondo negro y oscurezco, las partes de
sombra de la botella y el vaso.
Es muy
importante emplear el difumino o en su defecto la punta de un color neutro,
para que los trazos queden, bien suavizados.
Estos
difuminados también los puedo hacer con las yemas de los dedos o con un pequeño
trapo.
Ahora, empiezo a
trabajar el fondo con pequeños aportes de otros colores.
Observen muy
bien como en este paso tenemos que pulir las sombras y las luces de la botella
y el vaso.
El paso
siguiente es pensar en los colores de la manzana y por esta razón he colocado
algunos trazos de color rojo en ella.
Estos son los
pasos finales y nuestro bodegón está llegando a su final.
Observen muy
bien las sombras que he dejado de la manzana y el vaso, sobre la mesa, porque
estos toquecitos son los que hacen las buenas pinturas.
Seguidamente les
voy a mostrar la obra en su estado final, observen como quedó el fondo, como
apliqué las sombras y las luces en todos los elementos, como le di mucha
categoría a unas luces especiales que tienen la botella y el vaso y como
iluminé con mucha especialidad la atmósfera del fondo y de la mesa con algunos
colores adicionales, para que el bodegón luciera con todo su esplendor.
Ojalá ustedes en
sus casas se ejerciten en este tipo de pinturas, para que cada día aprendan
todos los secretos que el arte les va enseñando.
Al terminar el
dibujo, es de mucha importancia aplicar cualquier fijador; Laca, frisantino,
frisativo u otro cualquier producto que fije los colores.
Si no lo haces tu obra se perderá, en pocos días.
Clase número veintidós del curso teórico práctico de dibujo pintura y
escultura.
Pintar el retrato de la cara de un león.
Empecemos con
unas instrucciones especiales, para manejar correctamente los pasteles:
Para trazar
líneas con las barras cuadradas, se utilizan las aristas de los pasteles; Para
corregir los errores, cuando se aplican los colores, se utiliza un trapo, una
servilleta de cocina o un borrador maleable (este es una goma especial que
parece un pedazo de plastilina); los pasteles se fabrican en una inmensa gama
de colores, para no tener que combinarlos; los grandes pastelistas de la
tierra, recomiendan utilizar papel granulado, texturizado o con dientes, es
decir con pequeños altibajos, para que los colores se adhieran en forma
adecuada, porque en el papel liso, los colores no se fijan bien. Hay un papel
granulado en colores, que podemos elegir a voluntad, según el trabajo que vamos
a ejecutar.
Para bosquejar
nuestro trabajo, vamos a emplear el lápiz común o un lápiz de carbón de barra fina, tratando de no
manchar mucho el papel.
Las primeras
líneas van a ser muy sutiles y no tienen que definir el dibujo por completo,
pues con que logremos bocetar la cara del león y las partes por donde va a
estar la melena, serán trazos suficientes.
Es de mucha
importancia saber centrar la figura que vamos a pintar, para que no quede alta
o bajita, ni hacia el lado derecho o izquierdo.
El pintor
utilizó un papel de color oscuro, para que la pintura del retrato sobresalga,
con sus colores claros.
Comencemos pues
por hacer el encuadre de la cara de nuestro animal, tratando de definir muy
bien los ojos, la nariz y la boca; la melena solo la vamos a bocetar, para que
tengamos en cuenta cual parte del papel va a ocupar.
Insisto mucho en
que la cara quede bien centrada, porque en el trabajo anterior, algunos
colocaron las figuras del bodegón hacia uno de los lados.
En el segundo paso, vamos a pintar unas manchas, que nos servirán para definir los claroscuros del retrato.
Con un
carboncillo, bocetemos las partes de la melena, los labios y las fosas nasales,
que van a ser oscuras; y con un color marrón, teñimos las partes de sombras más
claras que nuestro retrato tendrá; las partes que van a ser claras, las dejamos
sin color, porque estas serán las zonas más suaves que va a tener el dibujo.
Seguidamente,
vamos a fundir con los dedos o con la ayuda de un trapo o una servilleta, las
manchas que acabamos de aplicar.
A continuación,
con una barra de carboncillo o con un lápiz de color negro acentuamos los
oscuros de los labios y la nariz y empezamos a trabajar los ojos; y definimos
los espacios claros, con un lápiz o una barra de pastel blanco.
Con este paso,
ya tendremos definido nuestro retrato, con sus claroscuros y una imagen bien
definida del león.
En este paso,
vamos a detener nuestro trabajo en los ojos, que son los que dan la expresión
del retrato; acentúo las sombras de la frente, la nariz y los párpados y trato
de fundirlos con mucho cuidado, con la ayuda de un difumino delgado o con la
barra de un lápiz que no entorpezca los colores que he aplicado.
Los ojos deben
quedar parecidos a esta fotografía.
Acto seguido
empiezo a hacer unos trazos cortos y bien definidos, que imiten el pelo que
tiene nuestro león.
Con el paso
siguiente, empiezo a delinear muy bien la nariz y le doy vida a los pelos de
esta parte, que son muy cortos, como lo muestra la fotografía que sigue.
En esta etapa,
definimos los lugares en donde van a estar los bigotes, que se muestran en la
fotografía, como sombras un poco oscurecidas y defino el triángulo invertido de
la nariz.
Cuando salgamos
de este paso, nuestro retrato deberá estar muy parecido a la fotografía que
sigue, porque nuestro retrato ya está en los últimos pasos.
Los labios no
tienen que ser simétricos, es decir iguales, uno puede estar más caído que el
otro y este toque le da mucha importancia al retrato.
Cuando vayamos a
trazar los bigotes, recordemos que no son tan largos, ni tan simétricos, como
los de los gatos domésticos.
En la fase que
sigue, vamos a pintar los pelos de la melena, que deben seguir la línea de
orientación que debe tener el pelo.
Se pinta primero
el pelo de la melena, porque los bigotes, se deben pintar por encima de ellos.
En la fase
final, vamos a pintar los bigotes, que no son herméticamente rectos y pueden
tener algunos torcidos que seguramente le lucirán mucho.
Les recomiendo
en especial, que hagan cada lado por separado, para que no molesten mucho los
colores y para que puedan hacerlos en forma no simétrica.
Con este paso,
nuestro dibujo está listo, ahora disfrutémoslo.
Clase número veintitrés del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y
escultura.
Pintar al pastel un paisaje de un atardecer en una taiga.
Las taigas son
los bosques naturales de coníferas (Pinos), que hay en Alaska y la Siberia.
Este atardecer
es más o menos a las seis de la tarde y los pinos, algunos de ellos llenos de
chamizas secas, están respaldados en unos arreboles propios de esas regiones de
la tierra.
Veamos la
muestra:
Lo primero que
vamos a hacer es el boceto de la obra, tratando de acomodar todas las figuras y
los arreboles, en el lugar que les corresponde, es decir, hacemos un buen
retrato de lo que estamos viendo, como lo muestra la figura que sigue:
Si observan muy
bien, el boceto se parece a la muestra, pero no es calcado, ni fotografiado; es
algo muy parecido.
La línea del
horizonte, resultó un poco errática, porque los árboles no fueron sembrados en
línea recta, sino que nacieron en el terreno al capricho.
El paso que
sigue, es hacer el cielo, que es la región más apartada de nuestra vista; si
utilizan bien los pasteles, lograrán hacer un arrebol muy parecido al de la
muestra; no se deben hacer los arreboles con colores distintos, porque
estaríamos desmejorando el trabajo; no debemos repisar los colores, porque pierden
mucho brillo; recuerden que los tonos de los atardeceres en el cielo, son
enseñanzas que la naturaleza nos da, todos los días.
Veamos muy bien
cómo se da ese paso:
A continuación
vamos a terminar el trabajo, con la parte de tierra y los árboles de pino que
son los que le dan el colorido al paisaje; observen bien los detalles de las
chamizas, a las cuales hay que darle gracia con formas raras; las pequeñas
hierbas que nacen en las orillas del terreno; la manera como se hace el follaje
de los árboles; miren como no se configuran las hojas de los pinos, en ninguno
de ellos tuvimos que mostrar hoja por hoja; Miren como ninguno de los pinos es
igual a los demás; traten de que algunos árboles queden con un pequeño torcido,
a cualquier lado, para darle gracia a las formas del dibujo; cuando ustedes
sean profesionales, les va a gustar agregarle al piso, unos tonos verdosos
ocres y marrones, para simular la variedad de colores del suelo, pero por ahora
se los dejamos así, para no complicarlos, con el uso de los pasteles.
Miremos como
puede quedar el dibujo, ya terminado:
La fase final
sería aplicar el fijador, pero nosotros somos enemigos de aplicarlo de
inmediato, para poder hacer las correcciones que sean necesarias, con el fin de
mejorar el trabajo.
Clase número veinticuatro del
curso teórico-práctico de dibujo, pintura y escultura.
Pintar un paisaje marino con los
pasteles.
Las pinturas de paisajes marinos o de mar se remontan
por lo menos a murales decorativos de la antigua Roma. El género se siguió
desarrollando a través de la Edad Media y luego se hizo popular durante el
Renacimiento. Los manuscritos iluminados a menudo contenían
paisajes marinos pintados en miniatura. Muchos pintores holandeses de la edad
dorada del siglo XVI realizaron pinturas realistas de paisajes marinos. La
tradición llegó a otro punto álgido
con el naturalismo estadounidense y los pintores franceses impresionistas del
siglo XIX.
Para
pintar este paisaje, lo primero que debemos hacer es boceto o encuadrarlo en el
papel que tenemos disponible.
En esta
figura mostramos como puede ser ese boceto:
El paso
que sigue, es empezar a colorear lo que esté más lejos de mi vista; o sea que
debo empezar por el cielo; recuerden que las nubes, son las que le dan una
buena presentación a los cielos que pintamos; deténgase al colorear los
claro-oscuros del color azul, para que la obra sea de buena calidad, porque no
estamos pintando una puerta, que debe quedar del mismo color.
Fíjense
muy bien como la línea del horizonte, resultó fraccionada en cinco pedazos que
corresponden a los pequeños rizos que hacen las aguas, al chocar con las
colinas.
Al pintar
el cielo, métase un poco entre las colinas, para que cuando las vaya a colorear,
el empalme de cielo y las colinas quede perfecto.
El cielo
puede quedar así:
En el paso
que sigue, hay que tener en cuenta que las montañas, cuando están muy alejadas
de nuestra vista, toman un color verde-azuloso, que les da mucha vida.
Estas
colinas, están llenas de arbustos que no alcanzan a tomar forma, por lo
retirados que están de nuestros ojos.
Pintemos
el primer plano de colinas y no olvidemos incluir una pequeña franja del mar
que se encuentra incrustada entre la última colina y el primer conjunto de
ellas.
Para que
la obra luzca bien, es bueno darle un tratamiento distinto con los pasteles a
cada una de las colinas, para que el que va a observar nuestra obra, pueda
deleitarse con ella.
Este paso
puede quedar así:
Ahora
podemos continuar aplicando el color a la parte del mar, que está a una
profundidad media de nuestros ojos y a las colinas más cercanas.
Recuerden
que a medida que las colinas van siendo más cercanas, el color azuloso se va
perdiendo y empieza a aparecer el color verdoso de ellas.
El mar va
mostrando su verdadero color y el paisaje va tomando su textura.
No olviden
que el mar, no es un color uniforme, pues en él, se encuentran, azules, verdes,
amarillos, ocres y a veces es un mar sucio.
Este paso
puede ser así, más o menos:
Para
terminar nuestra obra, apliquemos los pasteles en el mar cercano y en la
pequeña playa.
Ese mar lo
debemos hacer de un color más claro y en la playa, debemos mostrar la parte que
inundan las olas, con un cloro oscuro azulado y la parte de playa con colores
blanco y ocre claro.
La obra
terminada puede ser así más o menos y recuerden que el último paso, es aplicar
el frisativo, frisantino o laca, pero no lo hagan en el mismo momento en que
terminen, porque más tarde cuando lo vean, van a querer corregir algunos
detalles, que tal vez quedaron mal, por efecto del cansancio.
Cuando
sean unos profesionales, va a querer pintar algunos paisajes, más complicados
que este y que tengan algunas figuras animales o vegetales y tal vez le quieran
agregar objetos como casas talanqueras y otros elementos propios de la
paisajística.
Clase número veinticinco del curso teórico-práctico de dibujo, pintura y
escultura.
Dibujar una naturaleza viva con pasteles.
En los talleres que dictamos en la casa de Doña Ana, hablamos de los dos
tipos de naturalezas, que se pintan en plástica: Naturaleza muerta y naturaleza
viva.
Hoy para finalizar esta primera etapa de pintura con pasteles, vamos a
pintar una naturaleza viva, (un florero con unos capullos de rosas y unas hojas
decorativas, montado sobre una mesa).
Para darles la oportunidad de mostrar sus avances en esta parte del
curso, no vamos a mostrar el paso a paso, sino que esperamos que cada uno, nos
muestre sus propias iniciativas, respecto a esta hermosa pintura.
Yo la interpreté de la siguiente forma, pero cada uno de ustedes va a
tener la oportunidad de mostrarnos, la capacidad que ha desarrollado a los
largo de diez meses de curso.
Mi pintura resultó así:
Seguidamente vamos a ver unas generalidades acerca de las cretas o
pasteles, para que los tengan en cuenta en sus vidas profesionales de artistas
plásticos.
La pintura al pastel es una técnica pictórica seca y de una calidad
excelente.
Las barritas son pigmentos aglutinados con cualquier tipo de goma.
La pintura al pastel, tiene un efecto de color aterciopelado, sobre el
papel que le da una presentación muy viva y atractiva.
Esta es una técnica muy agradecida y fácil de pintar, porque se puede
practicar sin la ayuda de pinceles, ni disolventes.
Las ventajas de pintar con pastel, son:
Es una técnica rápida y muy relacionada con el dibujo, por esta razón,
es el paso que sigue, a este arte, en los cursos de plástica.
La técnica al pastel, permite la espontaneidad y la agilidad, para que
los alumnos, expresen sus sentimientos.
Esta técnica, permite la representación real de lo que pintamos.
Con los pasteles, se pueden crear obras muy realistas y cualquier
persona lo puede lograr, sin muchos esfuerzos.
Los pasteles son colores vibrantes y muy vivos.
Esta técnica se puede combinar con: Acuarelas, Acrílicos, Óleos, y otras
técnicas secas y húmedas.
Lo más importante es que permite el método aditivo, es decir: Añadir un
color sobre otro.
Las desventajas de trabajar con pasteles serían:
Como casi siempre se pinta sobre papel, las obras son por naturaleza
frágiles y están sometidas al deterioro por los agentes externos; por esta
razón es importante protegerlas con un cristal.
Como el color se deslustra fácilmente, hay que aplicarle un fijador
(Frisativo, Frisantino o laca trasparente).
Esta razón hace que sean enemigos de los pasteles: El viento, los
golpes, las tocadas indiscretas, y
cualquier cosa que produzca movimiento de las partículas del pastel, que están
adheridos al papel.
Se podría decir, que la humedad es el enemigo más peligroso de las obras
ejecutadas al pastel.
No se debe repisar, porque las obras pueden quedar muy pesadas y pierden
su brillo y satinado.
Una de las grades desventajas del pastel, es que no se puede borrar en
forma absoluta y por esa razón los pastelistas, piensan muy bien cada paso que
van a dar con sus obras, para no correr el riesgo de borrar, porque esa
operación las entorpece.
La técnica del paso a paso del pastel son las siguientes:
Decidir el tema, apropiado al talento de cada uno de los posibles
pintores.
Adquirir una cartulina texturizada o papel canson, porque el papel común
no permite hacer buenos pasteles.
Tener una buena cantidad de colores, porque esta técnica, no es buena
para hacer mezclas sobre el papel.
Cuando hay que hacer difuminados, se deben hacer directamente sobre la
obra.
Para difuminar los pasteles se puede emplear el difumino que venden las
tiendas de arte, papel higiénico o un pequeño pedazo de trapo, ojalé que sea de
algodón, para que pueda difuminar en forma.
Al terminar las obras, aplique laca o fijadores, para que sus obras se
conserven en buen estado.
Cuando se quiere aplicar un color sobre otro, es indispensable, fijar
con laca o fijador el color que ya tenemos, de lo contrario, la mezcla de los
colores será pésima.
Cuando estén fijados los colores, puedes aplicar aquellos que quieres
resaltar y a esos no les apliques fijador, ni laca.
Trucos relacionados con este arte:
Las barras de pastel, deben estar siempre en el sitio que trae la caja,
para cada una de ellas.
Si la caja se pierde o no la tienes, debes guardarlos entre unos granos
de arroz, para que no se juntes los colores, de lo contrario, las barras se
ensucian unas con otros y los colores que resultan son de muy mala
presentación.
Si necesitas un color muy oscuro y no lo trae la caja, aplica un poco de
negro en el lugar y luego aplicas el color que deseas.
A continuación te dejamos una buena muestra, para que la reproduzcas en tu
casa.
Sopetrán, Junio 26 del 2016.
Darío Sevillano Álvarez
Clase número veintiséis del curso teórico práctico de dibujo pintura y
escultura.
Estudio de las manos.
La facultad que el hombre tiene de expresar sus sentimientos a través de
las partes del cuerpo, se llama: Expresividad y las manos, aunque no lo
creamos, hacen parte de esa facultad, porque con sus movimientos y su actitud,
ayudan a expresar lo que queremos comunicar a los demás.
¿Has analizado alguna vez, la extraordinaria movilidad de tus manos?
¿Has sentido la curiosidad, de observar la cantidad infinita de gestos que
hacen tus manos, cuando nos estamos comunicando con los demás?
Podríamos concluir: Que las manos también hablan. Por esta razón los
grandes artistas de la tierra, le han dedicado estudios importantes a las manos
y a las diversas posiciones que ellas hacen.
Esto ha hecho el milagro de que los grandes de la plástica, hayan
estudiado, todos aquellos gestos que las manos hacen y cuáles son las posibles
interpretaciones que les podemos dar, a nivel de los detalles anatómicos; de su
estructura interna; y de sus movimientos.
Por estas razones, vamos a tomar tres o cuatro clases, para estudiar la
constitución anatómica de las manos; vamos a hacer varios dibujos de ellas,
para concebirlos en las distintas posiciones, que hacen; y vamos a consultar en
internet y en los libros las grandes obras de las dibujantes, pintores y
escultores de la tierra, para que podamos entrar en el mágico mundo del
conocimiento de nuestras extremidades superiores.
Para la clase de hoy vamos a mirar la estructura anatómica de las dos
manos del homo sapiens.
El proceso que sigue, es enseñarte a dibujar manos, a partir de la
tuyas: Si eres diestro es decir, si trabajas con la mano derecha, puedes poner
tu mano izquierda, como modelo para pintarla; si eres siniestro, es decir
trabajas con la mano izquierda, tu modelo para dibujar, deberá ser tu mano
derecha.
Cuando veas nuestro gráfico, te darás cuenta, que no estamos calcando y
que solo hacemos lo que estamos viendo de nuestra mano.
En nuestro arte, tenemos que sacar del plan de trabajo, los calquis y
las recetas fáciles, porque eso nos enseñará con mucha precisión, lo que
debemos hacer como dibujantes de buena calidad.
Te queremos mostrar en primer plano, como es la parte ósea de nuestras
manos.
Ahora veamos cómo será nuestro trabajo de hoy.
Tienen tiempo para trabajar y recuerden que lo pueden hacer, con el
lápiz común, con el de carboncillo y que pueden colorearlas con carboncillos y
con pasteles.
Sopetrán, Junio 26 del 2016.
Darío Sevillano Álvarez.
Clase número veintisiete del curso teórico práctico de dibujo, pintura y
escultura.
Las proporciones de las manos.
Los grandes escultores de la tierra se han preocupado por hacer unos
cánones que ayuden a pintar y a esculpir las manos, pero esa experiencia ha
sido un completo fracaso, porque todas las manos de los humanos, no guardan las
mismas proporciones y se podría llegar a la conclusión de que no se consiguen
dos manos iguales.
Pero hay unas normas que nos pueden servir de derroteros, para llegar a
hacer manos de buena calidad, como
aquella que nos dice que la mano se puede hacer en un rectángulo que podemos
partir por iguales partes y cuya línea central, va desde la base de la uña del
dedo pulgar y que pase por las bases de los dedos anular y central, tal como lo
mostramos en el gráfico que hay a continuación.
Pero como la mano, no es una figura, sino un cuerpo, la podemos ver en
un corte lateral en la siguiente forma:
Es bueno agregar como se puede concebir el dibujo del dedo pulgar, que
tiene una posición muy diferente a los cuatro restantes:
Con estos cánones en mente, podemos dedicarnos a hacer manos, para que
logremos concebirlas lo mejor que se pueda.
Lo más importante es hacer muchos ejercicios, para que la práctica nos
conduzca al éxito.
Antes de terminar les queremos mostrar una bella expresión de las manos
aferradas a un palo de escoba:
Sopetrán, Junio 26 del 2016.
Darío Sevillano Álvarez.
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